14 nouveaux visages dans l'art de Singapour

L'art singapourien frappe à la porte de notre conscience collective et il devient de plus en plus difficile de l'ignorer. Si vous n'y avez pas prêté attention, il est temps de vous rattraper. Heureusement pour vous, nous avons accompli la tâche colossale de rassembler ces grands noms sous un même toit - les déménageurs et les secoueurs, les créateurs d'histoire, nos porte-drapeaux - à l'occasion du grand 50e anniversaire de Singapour. Voici les Art Republik photographes, peintres, sculpteurs et créateurs agréés que vous devriez connaître en 2015 et au-delà.

Ang Song Nian

Ang Song Nian travaille avec des matériaux trouvés et des traces de comportements humains rendus visibles dans les paysages à travers des documentations photographiques et des installations.

• Nom: Ang Song Nian
• Âge: 31
• Ville natale / Basé à: Singapour
• Galerie (s) représentée (s) par: Aucune
• Outil (s) de choix: Mains gauche et droite + caméra
• Influences: Mike Nelson, Thomas Demand et Phyllida Barlow
• Instagram / Twitter: @ songnian / pas de Twitter
• Sinon art: Karang guni ou thésauriseur
• Ville préférée pour voir l'art: Londres
• Mots par lesquels vous vivez:?

Quelle est votre relation avec les objets trouvés?

J'ai commencé à collectionner des objets que j'ai trouvés dans les rues et autour de mon quartier depuis l'âge de 10 ans. Elle a lentement grandi, alors que je passais en contrebande tous ces objets aléatoires pré-aimés à la maison. Puis c'est arrivé à un stade où j'ai réalisé que je commençais à manquer de place, et j'ai commencé à en prendre des photos, en particulier celles que je devais abandonner et jeter. Ce fut un processus douloureux, mais j'ai dû le faire quand même. Prendre des photos de ces choses que j'ai ramassées et que j'ai ensuite dû éliminer est devenu un processus thérapeutique en quelque sorte.

Qu'est-ce qui est important pour vous lorsque quelqu'un regarde votre travail?

Premièrement, ils ne devraient pas attendre une réponse ou une explication directe. Au lieu de cela, ils devraient s'éloigner avec des questions comme: Qu'est-ce que l'art peut communiquer que les autres médias ne peuvent pas? Une chaîne d'idées et de nombreuses possibilités et voies d'interprétation.

Avec votre frère étant un autre artiste éminent (Ang Song Ming), venez-vous d'une famille créative qui grandit?

Song Ming et moi réalisons le côté créatif que possède notre père. Nous pensons que nous avons exploité de bonnes influences de sa part. Nous avons cependant des parents très aimants et attentionnés.

Y a-t-il eu des moments de formation qui ont changé et qui vous ont façonné en tant qu'artiste?

Ce n’est que lorsque j’étais beaucoup plus âgé, après plusieurs années à m’engager dans une pratique artistique, que j’ai commencé à voir toutes les influences qui ont contribué à façonner ma pratique et mes directions artistiques. Mon hobby d'enfance, ramasser et ramener à la maison toutes sortes d'objets aléatoires trouvés dans les rues. Les sensibilités esthétiques uniques de mon père qui ont été affichées dans de nombreuses installations sculpturales spontanées tout autour de la maison. Un conférencier qui m'a dit un jour: «Tu es ce que tu fais. Si votre travail est de la merde, vous êtes de la merde. " Et de bonnes années passées à Londres, tout en m'exposant aux choses plus grandes et meilleures disponibles, en particulier dans le monde de l'art.

«27/04/2012», 2012, Ang Song Nian

La photographie est-elle toujours quelque chose que vous avez toujours voulu faire?

Fait intéressant non. Je pense que ça m'a trouvé.

Vous avez étudié à Londres pendant une longue période. Comment votre éducation vous a-t-elle aidé à vous formuler en tant qu'artiste?

L'infrastructure de la scène artistique londonienne est parfaitement développée. Des artistes établis aux artistes émergents, riches ou en difficulté, il semble y avoir une pièce pour tout le monde. Eh bien, au moins, vous pouvez voir que tout le monde a faim - assez faim pour vouloir le faire. Une scène dynamique avec de nombreux spectacles se déroulant dans des galeries, musées et institutions. Tout le monde était passionné et déterminé à faire bouger les choses. Pouvoir vivre tout cela était inestimable. Cela revient à dire à quel point vous voulez quelque chose. Le système éducatif au Royaume-Uni donne beaucoup de liberté en ce qui concerne les missions et les projets. Nous avions beaucoup de temps à l'école mis à notre disposition pour faire notre propre exploration, expérimentation et recherche. Cela dit, cette grande liberté exige alors beaucoup de discipline de notre part.

Que signifie la beauté pour toi?

Je pense que c'est nourri par nos goûts et nos convictions personnelles.

Pensez-vous que grandir à Singapour a influencé votre approche de la photographie et de l'art en général?

Nous travaillons beaucoup plus vite que nos compatriotes à l'étranger. Pas forcément toujours pour le mieux, mais cela se révèle parfois utile. Nous sommes juste maniaques quand il s'agit de travailler. Je pense. Un peu trop productif et orienté résultat parfois, mais nous apprenons tous à ralentir, à observer et à expérimenter.

«Détour n ° 3», 2011, Ang Song Nian

Distinctions notables

Gagnant pour la photographie, Noise Singapore, 2012; Bourse d'études supérieures internationales (MA Photography, London College of Communication), University of the Arts London, 2011; 2e prix, Photographie, Concours multimédia ASEAN-Corée, 2010; Prix ​​eCrea 2010, Emergent Lleida Visual Arts and Photography Festival, 2010; Lauréat, Land Transport Authority Circle Line Art Program, Dakota Station, 2008.

Ang Song Ming

Ang Song Ming fait de l'art en utilisant la musique comme point de départ, construisant des restrictions auto-imposées pour que les processus et les situations se déroulent.Son travail couvre différents médias et est réalisé à partir des perspectives qui se chevauchent d'un artiste, d'un fan et d'un amateur.

• Nom: Ang Song Ming
• Âge: 34
• Ville natale / Basé à: Singapour / Berlin
• Galerie (s) représentée (s) par: FOST Gallery (Singapour)
• Outil (s) de choix: je pense que tout peut être utilisé comme matériau,
• si vous êtes sensible à ses qualités
• Influences: Justin Bieber, Johann Sebastian Bach, Belle & Sebastian
• Instagram / Twitter: @ circadiansongs / @ circadiansongs
• Sinon art: peut-être que je serais un joueur d'échecs
• Ville préférée pour voir l'art: Latent Spaces (un espace artistique à but non lucratif situé à Haw Par Villa, Singapour, et géré par les artistes Chun Kai Feng et Chun Kai Qun; c'est assez nouveau mais la programmation a été engageante, intelligente et significative)
• Mots par lesquels vous vivez: "Pourquoi un accord majeur semble-t-il heureux et pourquoi un accord mineur semble-t-il triste?"

Pourriez-vous m'en dire plus sur votre démarche artistique?

Je considère la musique comme un phénomène culturel et je l'utilise comme point de départ pour créer des œuvres d'art. Fondamentalement, ce qui m’intéresse, c’est notre relation avec la musique en tant qu’individus et en tant que société. Mon travail est généralement orienté processus et peut être de n'importe quel support. Une grande partie de ce que j'ai fait récemment se concentre sur l'apprentissage. Dans mes différents projets, j’ai appris à sauver un piano, à jouer une pièce de Bach à l'envers et à reproduire l’autographe de Justin Bieber.

Vous êtes actuellement basé à Berlin. Comment est votre espace studio et qu'est-ce que cela signifie pour vous?

Je travaille dans un home-studio à Berlin, où je fais mon travail artisanal et administratif. Le travail à domicile est logique, car je n’aime pas faire la navette et je peux travailler à tout moment. Mais il y a aussi des productions qui ont lieu à l'extérieur, comme le tournage de vidéos sur place ou la collaboration avec des ateliers.

Quelle est votre relation avec les objets trouvés?

Je regarde l'attirail musical et les instruments comme des objets trouvés, et je pense d'où ils viennent et comment. Les objets trouvés et les phénomènes existants ont tous leurs propres histoires. Cela les rend intéressants pour moi de travailler avec.

Qu'est-ce qui est important pour vous lorsque quelqu'un regarde votre travail? Pensez-vous que vous essayez d'avoir une conversation avec le spectateur sur vos pièces?

Oui, j'essaie de commencer par la fin en tête et d'imaginer comment un spectateur pourrait lire une œuvre avant de la réaliser. Mais je pense que j'ai différentes œuvres d'art qui font des choses différentes. Parfois, ils sont une invitation, parfois une provocation.

«Backwards Bach», 2013, Ang Song Ming

Votre frère Ang Song Nian, est un artiste de premier plan ainsi que vous-même. Vous venez d'une famille créative qui grandit?

Mon père est très bon avec ses mains et aime réparer et sauver des choses. Ma mère est une personne très réfléchie et sensible qui est assez douée pour les langues. Je suis très reconnaissant qu’ils nous aient permis de faire ce que nous voulons de notre vie.

En ce qui concerne votre éducation, y a-t-il eu des moments de formation qui vous ont affecté en tant qu'artiste?

Je suis en quelque sorte tombé dans l'art par hasard. Je faisais de la musique expérimentale quand j'étais plus jeune, mais certaines de mes œuvres avaient pris des formats qui ont traversé l'art contemporain, comme les installations et les soirées d'écoute. Heman Chong a vu mon travail vers 2007 et a suggéré que je devrais envisager de passer à l’art, ce dont je suis très reconnaissant.

Certains de vos travaux semblent avoir des allusions à des récits. Est-ce que votre expérience en littérature anglaise vous y prête? Les récits et histoires sont-ils quelque chose à quoi vous pensez dans votre travail?

Oui, certains de mes travaux contiennent une certaine forme de récit, qui aurait pu s'infiltrer dans mon expérience en littérature anglaise. Mais je suis aussi très intéressé par les œuvres basées sur des règles que l'on trouve dans l'art conceptuel et la musique d'avant-garde, par exemple les dessins de Sol LeWitt et les compositions de La Monte Young. Ce que j'essaie de faire, c'est de fournir la structure pour que les choses se passent à leur manière.

«Pièces et main-d'œuvre», 2012, Ang Song Ming

Quels artistes avez-vous recherchés?

J'admire Matthew Ngui à la fois en tant qu'artiste et en tant que personne. Sa rétrospective au Musée national en 2007 a montré à quel point sa pratique artistique est ciblée et cohérente. Je pense que Matthew réfléchit sérieusement à la raison pour laquelle un travail doit être fait avant qu'il ne le fasse, ce qui nécessite intégrité et discipline. Matthew a dirigé la 3e Biennale de Singapour en 2011 et y a montré mon travail. Il m'a dit: «Je vois mon rôle en tant que quelqu'un pour resserrer tous les bouts», dont je me souviens très clairement car cela montrait à quel point il était modeste.

Trouvez-vous le processus créatif thérapeutique?

Oui, c'est parfois thérapeutique, parfois angoissant, mais toujours épanouissant. Je prends beaucoup de plaisir à faire de l'art.

«Pièces et main-d'œuvre», 2012, Ang Song Ming

Il est dit dans l'un des articles sur vous-même, que la culture pop est l'une des choses qui vous intéressent. Comment restez-vous dans le moment présent? Quelles sont certaines de vos préoccupations en ce moment?

Je m'intéresse à la culture pop car elle est omniprésente et a un impact assez important sur nos vies, donc pour moi c'est en fait un domaine de recherche. En ce moment, mon travail se concentre sur les notions de travail, d'artisanat et de dévouement, qui sont tous des aspects humains communs à l'art et à la musique.

Les souvenirs, la nostalgie sont-ils importants pour vous?

Oui, je pense que nous pouvons être de meilleurs êtres humains si nous sommes sensibles au passé.

Ci-dessus et ci-dessous: «Parts and Labor», 2012, Ang Song Ming

Distinctions notables

Art-in-Transit, Land Transport Authority Singapore, 2013; Prix ​​du jeune artiste, National Arts Council Singapore, 2011; The Art Incubator, Singapour, 2010; Sovereign Asian Art Prize, finaliste de Singapour, 2010; Bourse d'études à l'étranger, National Arts Council Singapore, 2008.

Chen Sai Hua Kuan

La pratique de Chen Sai Hua Kuan est particulièrement ouverte. Déchets, argenterie, matériaux industriels, tout peut l'inspirer et devenir son matériau. Sans aucune limitation ni limite, l'installation, la vidéo, les performances, les photographies et les objets de Kuan allient simplicité visuelle et espièglerie.

• Nom: Chen Sai Hua Kuan
• Âge: 39
• Ville natale / Basé à: Singapour
• Galerie (s) représentée (s) par: Galerie Yavuz, Galerie Osage, iPRECIATION
• Outil (s) de choix: Tous
• Influences: espace, bruit, son
• Instagram / Twitter: Aucun
• Si ce n'est pas de l'art: voler
• Ville préférée pour voir l'art: vers le ciel gris
• Mots par lesquels vous vivez: "Pourquoi pas."

Quelle est l'importance de l'illusion dans votre travail?

Parfois, peut-être, pas sûr, en quelque sorte…

Qu'est-ce qui est important quand quelqu'un regarde votre travail?

Dépend du spectateur.

En grandissant, y a-t-il eu des moments de formation qui vous ont affecté en tant qu'artiste?

Doit être un génie à retenir.

Quels artistes avez-vous recherchés?

Robert Irwin et Einstein.

Les souvenirs, le passé, sont-ils importants pour vous?

Pas sûr, peut-être, je pense que oui ...

Trouvez-vous le processus créatif thérapeutique?

Non, le processus de fabrication est plus thérapeutique.

Pensez-vous que grandir à Singapour a influencé la façon dont vous avez abordé votre pratique et votre point de vue sur l'art?

Oui et non…

«Bouteilles et ventilateurs» (vue détaillée), 2010, Chen Sai Hua Kuan

«Ne restez pas au-dessus de cette étape, vous pouvez perdre votre équilibre» (vue détaillée), 2010, Chen Sai Hua Kuan

«No Turn» (vue détaillée), 2012, Chen Sai Hua Kuan

«Quelque chose de rien», 2014, Chen Sai Hua Kuan

«Sons de la Terre», 2013, Chen Sai Hua Kuan

«CG sans titre», 2012, Chen Sai Hua Kuan

Distinctions notables

«Countershadows (Tactics in Evasion)», Institute of Contemporary Arts, Singapour, 2014; «Space Drawing», OSAGE Gallery, Hong Kong, 2014; «Quo Vadis: The last drawing show», Université de Nouvelle-Galles du Sud, Galeries Sydney, 2014; «If the World Changed», The Singapore Biennale 2013, Singapore Art Museum, Singapour, 2013; «Winds of Artist in Residence 2013 –Part 1», Fukuoka Asian Art Museum, Japon, 2013.

Dawn Ng

Avec une formation en art studio et en journalisme, Dawn Ng a passé 10 ans à Singapour, Paris et New York à cheval sur l'art, le design et la publicité. À ce jour, Dawn a travaillé à travers une large gamme de médias, de motifs et d'échelle allant du collage, de la photographie, de l'illustration, de la lumière et de l'installation.

• Nom: Dawn Ng
• Âge: 32
• Ville natale / Basé à: Singapour
• Galerie (s) représentée (s) par: Chan Hampe Galleries
• Outil (s) de choix: Tout + tout
• Influences: aucune
• Instagram / Twitter: @dawn___ng (ce sont trois soulignements) /
• pas de Twitter
• Si ce n'est pas de l'art: alors rien
• Ville préférée pour voir l'art: New York
• Mots par lesquels vous vivez: "La vérité est toujours intéressante."

Les souvenirs / la nostalgie sont-ils importants pour vous?

Des souvenirs, oui. Après tout, n’en sommes-nous pas seulement la somme? La nostalgie est une condition humaine.

Issu d'un milieu publicitaire, il est toujours important de raconter des histoires. Pensez-vous souvent au spectateur?

Non, je suis le seul spectateur en ce qui concerne mon travail. Penser à tout un tas de gens que je ne connais pas semble superflu. C’est en fait quelque chose que je n’aimais pas dans la publicité.

Quel est le mode de travail que vous aimez, varie-t-il selon le support?

Je pense que cela dépend de l'histoire que je veux raconter plutôt que du médium.

Pensez-vous que grandir à Singapour a influencé votre façon de voir l'art?

Grandir ici a influencé mon travail mais pas nécessairement ma façon de voir l'art.

Pourquoi les gens devraient-ils sortir pour regarder l'art?

Je pense que les gens devraient toujours chercher activement. Il n'est pas nécessaire que ce soit à l'art. La vie non examinée ne vaut vraiment pas la peine d'être vécue.

Comment vous voyez-vous maintenant, par rapport à vos débuts?

Plus pointu.

La création d'emplois aide-t-elle à combattre les sentiments de frustration?

Il provoque ses propres frustrations.

Est-il important d'être optimiste ?

Je pense optimiste ou non, c'est le plus important d'être soi-même.

Feng He Re Li, Dawn Ng

«Vert» (vue détaillée), Dawn Ng

«Il était une fois une maison», Dawn Ng

«Jaune» (vue détaillée), Dawn Ng

«Appartements» (vue détaillée), Dawn Ng

Distinctions notables

(Expositions individuelles) WINDOWSHOP, Chan Hampe Galleries, Singapour, 2014; SIXTEEN, Art Basel Hong Kong, 2013. (Expositions publiques / muséales) PERFECT DAY, Art in Motion, Commissioned Light Installation, Loof Bar, Singapour, 2014; THE SIGN, Commission du Conseil national des arts, East Coast Parkway, Singapour, 2013. (Public / Corporate Collectors) WALTER, Float Sculpture, Collection permanente du Singapore Art Museum, Singapour, 2011.

Sarah Choo Jing

Sarah Choo Jing est une artiste multidisciplinaire qui poursuit actuellement sa maîtrise en beaux-arts à la Slade School of Art de l'University College London.

• Nom: Sarah Choo Jing
• Âge: 24
• Ville natale / Basé à: Singapour / Londres
• Galerie (s) représentée (s) par: Galerie Sogan & Art
• Outil (s) de choix: le moyen le plus approprié pour
• transmettre mon intention
• Influences: expériences personnelles et quotidien
• Instagram / Twitter: @ sarahchoojing / pas de Twitter
• Si ce n'est pas de l'art: Si ce n'est pas de l'art, j'enseignerais
• Ville préférée pour voir l'art: je vois toutes les villes comme de l'art
• pièces elles-mêmes
• Les mots par lesquels vous vivez: «Ne vous contentez jamais de moins. Notre plus grande faiblesse réside dans l'abandon. Le moyen le plus sûr de réussir est toujours d'essayer une fois de plus. »

Qu'est-ce qui est important quand quelqu'un regarde votre travail?

Ce qui est le plus important, c'est que mon spectateur ressente un lien émotionnel avec la pièce et réfléchisse à ce qu'il regarde.

Quels artistes avez-vous recherchés?

Je suis souvent inspiré par des artistes qui travaillent avec différents médias - artistes d'installation, cinéastes, peintres, photographes d'art et de mode. Pour n'en nommer que quelques-uns: Chuck Close, Gregory Crewdson, Jeff Walls, Bill Viola, Eugenio Recuenco - ce sont tous des individus que j'admire pour diverses raisons, à la fois en termes de compétences et de capacité à surmonter les défis.

Qu'est-ce que la beauté pour toi?

La «beauté» intrigue. Je le trouve à la fois séduisant et repoussant. La beauté est pour moi; comparé à la source de lumière à un papillon de nuit. C'est illusoire.

Vous présentez des personnes proches de vous, ainsi que vous-même dans votre travail. Qu'est-ce que l'insertion viscérale dans votre travail fait pour vous? Pensez-vous qu'il y a un aspect thérapeutique, une sorte d'aspect cathartique?

Je vois les gens autour de moi comme des personnages avec des histoires différentes à raconter. Avec mes travaux antérieurs, j'ai mis en scène et dirigé des personnes proches de moi. Ma pratique s'est depuis développée en regardant le quotidien - les gens dans la rue ou au travail, les étrangers que je rencontre sur les dérives. Je suppose qu'il me semblait juste de regarder d'abord les gens autour de moi et près de moi, avant de regarder vers l'extérieur les individus dans la société contemporaine.

L'art est en effet thérapeutique. Il encourage à la fois l'artiste et le spectateur à contempler et à réfléchir. Si je devais être représenté comme un livre, mes œuvres seraient probablement les pages de ma biographie. Chaque page / travail serait un enregistrement de chaque émotion, rencontre et conversation que j'ai eu avec quelqu'un / quelque chose et personne / rien, dans une situation particulière.

Beaucoup de gens, ceux qui ne sont pas étroitement impliqués dans le monde de l'art en particulier, pourraient penser qu'il est exempt d'inégalité entre les sexes. Quelles sont vos pensées?

L'inégalité entre les sexes est un problème répandu dans la société. Je ne pense pas qu’une industrie soit totalement exempte d’une telle inégalité. Cela dit, je crois qu'une bonne œuvre parle d'elle-même, quel que soit le sexe d'un artiste. Avec une attitude positive, on peut aller loin - homme ou femme.

Pensez-vous que grandir à Singapour a influencé votre façon de voir l'art?

Comme mentionné, je suis très influencé par mes observations et expériences dans la vie. Par conséquent, grandir à Singapour a définitivement laissé une marque indélébile dans ma façon d'aborder et de regarder l'art. Je suis attiré par une esthétique particulière caractérisée par des compositions très contrôlées et manipulées; et je pense que cela reflète l'environnement qui m'influence.

Comment votre éducation vous a-t-elle aidé à vous formuler en tant qu'artiste?

Je suis reconnaissant et chanceux d'avoir suivi des études à Singapour. Mes tuteurs et collègues ont grandement contribué au développement de ma pratique en transmettant des compétences et en participant à des séances de critique rigoureuses. Même si l’éducation est importante pour perfectionner ses compétences, je crois que l’expérience pratique est en même temps vitale.

Votre travail traite beaucoup de solitude et de mélancolie, quels sont vos sentiments face à l'optimisme? L'optimisme est-il important?

L'optimisme pour moi, existe en termes d'espoir et de croyance. Je réfléchis souvent aux questions d'aliénation sociale et d'isolement à travers mes œuvres. J'espère pouvoir créer des pièces avec lesquelles d'autres pourront trouver un écho. Créer des illusions à travers mes composites est une forme d'optimisme, car il permet à quelqu'un de s'échapper momentanément du monde réel. Je pense qu'avoir une attitude positive facilite la résilience. Par conséquent, lorsqu'il s'agit de situations difficiles au quotidien, il est toujours prioritaire de rester lucide et optimiste.

Le bonheur peut-il exister sans douleur?

Personnellement, je ne pense pas que le bonheur et la douleur puissent exister indépendamment. Il est presque impossible de définir l'un sans l'autre et c'est peut-être en faisant l'expérience de l'un que l'on en vient à comprendre l'autre.

«Flaques d'eau dans la ville» (vue détaillée), Paris, 2013, Sarah Choo

«En attendant l'ascenseur» (vue détaillée), Sarah Choo

«Wonderland» (vue détaillée), 2014, Sarah Choo

Distinctions notables

Finaliste, The Sovereign Art Prize, The Sovereign Art Foundation, 2014; Finaliste, Esposizione Triennale Di Arti Visive A Roma 2014, Italie, 2014; Médaille d'or, Lee Kwan Yew Médaille d'or, Nanyang Technological University, Singapour, 2013; Photographe de l'année (professionnel, catégorie beaux-arts), 4e Pollux Awards, The Worldwide Photography Gala Awards in Europe, 2013; Premier prix, ICON de Martell Cordon Bleu Photography Award, Singapour, 2013.

Jason Wee

Jason Wee est artiste, commissaire d'exposition, écrivain et fondateur de Gray Projects, un espace d'art alternatif dirigé par des artistes à Singapour.

• Nom: Jason Wee
• Âge: 36
• Ville natale / Basé à: Singapour / New York
• Galerie (s) représentée (s) par: Galerie Michael Janssen, Sundaram Tagore Gallery
• Outil (s) de choix: Une bière
• Influences: toutes les personnes avec qui j'ai couché
• Instagram / Twitter: pas d'Instagram / @ jasonwee
• Sinon l'art: l'architecture
• Ville préférée pour voir l'art: Berlin
• Mots par lesquels vous vivez: "Tant qu'ils ne sont pas les miens."

Quel est le mode de travail qui vous convient et varie-t-il en fonction du rôle que vous assumez pour un projet?

Si je travaille, je suis généralement entouré de livres, de romans graphiques et de musique - Steve Reich, Phillip Glass, Thom Yorke, Robyn et ces jours-ci Lewis, A-Mei et Stars sont également sur la playlist. Si j'écris, la musique est coupée et j'aurais avec moi des types de livres particuliers, plus de poésie, des magazines d'art et des morceaux d'architecture.

Pensez-vous que grandir à Singapour a influencé votre façon d'aborder votre pratique et votre art en général?

Indubitablement. Mais je ne suis pas intéressé à affiner les détails, car je pense que l'influence est déjà lourde et sur-déterminante pour tant de gens.

Quelle est l'importance de la collaboration pour vous?

La collaboration est moins comme être des collègues que comme une amitié, mieux appliquée et laissée à ses propres rythmes, et quand c'est bon, c'est aussi bon que l'amour.

Gray Projects est connu pour son approche expérimentale de la conservation, quelles sont les idées / perceptions dominantes / traditionnelles concernant les expositions qui vous intéressent?

Que l'émergence concerne toujours les jeunes ou la dernière vague. Cet «art singapourien» doit avoir un signe ou un effet de l'avant et du centre de Singapour.

Une grande partie de votre travail traite de récits traitant et tournant autour de la métropole urbaine. Étant donné que vous avez résidé dans la plupart des grandes villes du monde, que vit la ville pour vous? Quelles sont vos préoccupations et qu'est-ce qui vous dérange?

J'aime les villes dans lesquelles je vis actuellement, New York et Singapour. L'un, j'aime parce que je le dois, l'autre j'aime parce que je ne peux pas le supporter. Berlin se taillant une place spéciale, j'y passe plus de temps cette année. Je m'intéresse au paradoxe et à la parallaxe, aux pluralités et aux assemblages, à l'érotisme et au porno, aux vêtements et à la nudité, je laisse aux autres le soin de me dire si c'est dérangeant ou non.

Est-il important d'être optimiste?

Il est. Et il est tout aussi important d'être mélancolique et sceptique.

Qu'est-ce qui vous attend en 2015?

J'ai une exposition à venir avec Michael Janssen Gallery Berlin, et je suis également commissaire d'exposition à la ifa-Galerie Stuttgart et Berlin. Je crée une nouvelle œuvre vidéo avec le Singapore Fringe Festival de janvier à mars 2015. Je travaille également sur mon prochain livre.

"Requiem (La mer ne peut plus vous atteindre maintenant)" (vue d'installation), 2014, Jason Wee

«Autoportrait (numéro un)», 2009-2014, Jason Wee

«A Forever That Never Fades», 2014, Jason Wee

«Pierre tombale (dates)», 2014, Jason Wee

«Tombstone (Accomplishments)» (vue détaillée), 2014, Jason Wee

Ci-dessus et ci-dessous: «Lord Mountbatten pense au rose» (vue détaillée), 2009-2010, Jason Wee

Distinctions notables

Exposition Prudential Singapore Eye, ArtScience Museum, 2015; Requiem, The Sea Can't Reach You Now, Michael Janssen Gallery, 2014; Artiste en résidence, Centre de création de Gyeonggi, Séoul, 2014; Boursier du mérite du doyen, Université Harvard GSD, 2010-12; Paradise Is Elsewhere, ifa galerie Berlin et Stuttgart, 2009.

Loo Zihan

Loo Zihan est une artiste et éducatrice de la performance et de l'image en mouvement basée à Singapour. Il s'intéresse au transfert et à la transmutation efficaces de la honte dans son travail.

• Nom: Loo Zihan
• Âge: 31
• Ville natale / Basé à: Singapour
• Galerie (s) représentée (s) par: Aucune
• Outil (s) de choix: Corps
• Influences: Apichatpong Weerasethakul
• Instagram / Twitter: @loozihan
• Si ce n'est pas de l'art: alors quoi?
• Ville préférée pour voir l'art: New York
• Mots par lesquels vous vivez: «Véracité».

L'art de la performance est-il toujours quelque chose que vous avez toujours voulu faire?

Non, je voulais être graphiste quand j'étais plus jeune. Je savais que je voulais être dans l'industrie créative. Je ne me considérerais pas comme un artiste de la performance, mais comme un artiste qui travaille avec la tension du corps et les appareils qui captent son image.

Existe-t-il un moyen pour un spectateur d'approcher votre travail? Cela entre-t-il dans votre processus?

La réception et la réponse du public font partie du travail. Il y a une certaine complicité et immédiateté entre un artiste et son public dans une performance «live» assez magique.

Comment voyez-vous votre travail? Le ressentez-vous comme ayant une sorte d'instrument?

Les artistes conçoivent leur travail pour avoir un impact sur la société, donc oui, il y a de l’espoir que l’art, en général, soit nécessaire et instrumental pour l’élargissement de la vision du monde. Malheureusement, cette perception n'est pas souvent répercutée par le public et il est de notre responsabilité de faire prendre conscience du pouvoir et du potentiel latent de l'art.

En ce qui concerne votre éducation, y a-t-il eu des moments de formation qui vous ont affecté en tant qu'artiste?

Le désir de prendre des risques, de se dépasser au-delà de sa zone de confort. La conscription militaire était assez informative - elle a augmenté mon niveau de tolérance et m'a donné une mesure des limites de ma force physique et mentale. Je ne dirais pas que ce fut une expérience agréable, mais cela a eu un impact sur ma croissance en tant que personne.

Quels artistes avez-vous recherchés?

Apichatpong Weerasethakul.

Une grande partie de votre travail porte sur des problèmes très graves et graves, généralement sous le spectre du totalitarisme.L'optimisme est-il important pour vous?

Je ne suis pas une personne très humoristique, et je suppose que c'est le manque que je reconnais. J'aimerais pouvoir être moins intense et plus désinvolte à propos de mon travail, mais le malheur est que je prends les choses trop au sérieux.

Que signifie la beauté pour toi?

La beauté compte, elle doit exister dans l'art, ne serait-ce que pour refléter l'abject. J'espère que le public pourra regarder au-delà de la beauté ou investir dans des choses qui ne sont pas intrinsèquement belles. Cette tension et cette lutte pour regarder des choses qui ne plaisent pas au spectateur sont nécessaires pour contester les conventions.

Pourquoi les gens devraient-ils se soucier de l'art?

Parce que l'art est illogique, il défie la logique - il n'y a aucune raison qu'il existe, et c'est dans cet illogisme que réside le pouvoir de l'art. Si tout dans le monde est organisé selon la logique et le pragmatique, ce serait un monde très ennuyeux dans lequel nous vivons.

Comment vous compareriez-vous maintenant à vos débuts?

Moins naïf, mais malheureusement aussi moins téméraire et têtu.

Quel est l'objectif final?

Vivre une vie digne d'être vécue, faire un travail qui compte et résistera à l'épreuve du temps.

«Cane», 2012, Loo Zihan

«Assemblée générale des artistes - Archives de Langenbach» (vue détaillée), 2013, Loo Zihan

Distinctions notables

Exposition personnelle «Archiving Cane» à la sous-station, 2012; Récipiendaire de la bourse d'études supérieures James Nelson Raymond, 2011; Prix ​​du meilleur scénario pour Threshold (Film), 1er Singapore Short Film Awards, The Substation, Singapour, 2010; Valedictorian pour la School of Art, Design and Media, Nanyang Technological University, Singapour, 2009; Lauréat du prix «Nuovo Sguardi» au 23e Festival du film de Turin GLBT (Italie), 2008.

Nguan

Diplômé en production cinématographique et vidéo de la Northwestern University, Illinois, Nguan est un photographe singapourien dont le travail porte sur le désir des grandes villes, les fantasmes ordinaires et la mondialisation émotionnelle.

• Nom: Nguan
• Âge: 41
• Ville natale / Basé à: Singapour
• Galerie (s) représentée (s) par: Aucune
• Outil (s) de choix: Appareil photo
• Influences: Raoul Coutard
• Instagram / Twitter: @_nguan _ / @ nguan
• Sinon art: Footballeur
• Ville préférée pour voir l'art: New York
• Mots par lesquels vous vivez: "Un chameau est un cheval conçu par un comité."

Que signifie la beauté pour toi?

Tout.

Qu'est-ce qui est important quand quelqu'un regarde votre travail?

J'espère qu'il en sera affecté.

Êtes-vous issu d'une famille créative qui a grandi?

Nous étions modérément créatifs. Mon père était architecte. Mon frère et moi avons fait des bandes dessinées pour nous divertir.

«Sans titre», 2013, Nguan

Quand vous étiez jeune, y a-t-il eu des moments de formation qui vous ont affecté en tant qu'artiste?

Je ne peux pas en parler.

Qu'est-ce qui fait une bonne photo?

Éloquence. Une image doit être entièrement articulée sans dépendre de béquilles potentielles telles que des légendes de texte ou du son.

Pensez-vous que vous essayez d'avoir une conversation avec le spectateur avec vos pièces?

Oui absolument. Parlons uniquement d'images et essayons d'empathie.

La photographie est-elle quelque chose que vous avez toujours voulu faire?

Non, je n'étais pas intéressé à distance par la photographie jusqu'à la fin de la vingtaine. Je pensais que j'allais être illustrateur, écrivain ou cinéaste. Ce n'est qu'à un moment donné que j'ai reconnu le potentiel de la photographie. Il fournit un semblant au monde réel qui ne peut être égalé dans aucun autre métier. Bien sûr, ce semblant peut être amplifié, abusé ou embelli - c'est là que réside l'art.

Vous êtes connu pour travailler strictement avec des processus et des équipements analogiques. Y a-t-il quelque chose à propos de leurs limites, les qualités éthérées de trouver le cliché parfait, le fait que la lumière doit réagir physiquement aux produits chimiques sur le film de votre appareil photo… Y a-t-il une raison poétique à votre approche analogique?

Mes raisons sont incontestablement fétichistes. Lorsque vous photographiez sur film, vous capturez de la chaleur sous forme de lumière. Un négatif qui est exposé en présence d'une personne doit être transformé par sa chaleur avant qu'une image puisse se former. Ce film contient donc des preuves physiques d'une vie.

Quel est l'objectif final?

Il n'y en a pas. Le travail est sa propre récompense.

«Sans titre», de la série Singapour, 2011

«Sans titre», de la série Singapour, 2011

«Sans titre», de la série Shibuya, 2011

«Sans titre», 2008

«Sans titre», de la série Singapour, 2012

«Sans titre», de la série Singapour, 2013

Distinctions notables

(Expositions individuelles) ‘How Loneliness Goes’, M1 Singapore Fringe Festival, ION Art, Singapour, 2015; ‘24 / 7 featuring Nguan ’, Sculpture Square, Singapour, 2013. (Expositions de groupe)‘ Once Upon This Island ’, Singapore Art Museum, 2015; «Dix millions de chambres de désir. Sex in Hong Kong ’Para / Site, Hong Kong, 2014. (Collections permanentes) Singapore Art Museum.

Ming Wong

Ming Wong est un artiste singapourien aux talents multiples et de renommée internationale qui aime explorer la nature changeante de l'identité à travers les cultures à travers les facettes de la langue et du jeu.

• Nom: Ming Wong
• Âge: 43
• Ville natale / Basé à: Singapour / Berlin
• Galerie (s) représentée (s) par: Vitamin Creative Space (Guangzhou), carlier | gebauer (Berlin)
• Outil (s) de choix: Rouge à lèvres
• Influences: Pasolini
• Instagram / Twitter: Aucun
• Si ce n'est pas de l'art: la confection de chapeaux
• Ville préférée pour voir l'art: Berlin
• Les mots par lesquels vous vivez: "Ce n'est que de l'art."

Pourriez-vous m'en dire plus sur votre processus?

Cela implique des recherches sur l'histoire du cinéma, les histoires derrière la réalisation de certains films, les histoires personnelles des réalisateurs, des acteurs, des acteurs et de l'équipe avant et après le film, le contexte (de l'époque et du lieu où et quand le film a été tourné, etc. .), et comment le ou les films ont encore une résonance ou un impact dans le présent.

En quoi le fait d'écouter les autres parler, d'écouter leurs expériences ou leurs points de vue vous aide-t-il dans votre travail?

J'aime écouter les gens parler de leurs films préférés.

Quand êtes-vous allé à Berlin pour la première fois? À quoi ressemblait cette transition et à quoi ressemblait la communauté à l'époque?

J'ai déménagé à Berlin en 2007, il y avait beaucoup d'espace, mental et physique, pour penser et travailler. Le loyer était alors vraiment bon marché. C'est lentement embourgeoisant.

Comment le fait d'avoir grandi à Singapour a-t-il influencé votre approche du cinéma et de l'art en général?

À Singapour, vous pouvez regarder du cinéma de différents pays. L'aspect multiculturel de la culture populaire est quelque chose d'unique et ne doit pas être pris pour acquis.

«Windows On The World (Part Two: Shanghai)» (vue détaillée), 2014, Ming Wong

Le cinéma est considéré comme le «langage de la réalité» par des auteurs italiens pionniers comme Fellini et Pasolini. Vous avez décrit certains de vos travaux comme des «imposteurs». Qu'est-ce que le réalisme pour vous? Pensez-vous que des aspects de l'illusion peuvent produire la vérité, de manière plus claire et plus viscérale?

L'artifice est la clé de la vérité.

Dans votre travail, il y a une dualité «drôle» et «troublante». L'humour est-il important? Est-ce quelque chose auquel vous pensez?

L'humour est une arme importante, contre le contrôle de la pensée.

Le cinéma tourne autour de l'art du récit et de la narration. Pensez-vous souvent au spectateur?

Mon expérience était dans le théâtre, donc on reconnaît le public, et comment il pouvait penser ou ressentir. Il faut une certaine «empathie» pour le faire efficacement.

En ce qui concerne votre éducation, y a-t-il eu des moments de formation qui vous ont affecté en tant qu'artiste?

Mon père m'a encouragé à lire; il m'emmenait à la librairie MPH chaque week-end - un cadeau précieux.

Que pensez-vous du lien entre l'art et le cinéma?

Je prends la définition du cinéma comme évolutive: cinéma, image en mouvement, vidéo: combine plusieurs disciplines: littérature, théâtre / performance / peinture (image dans un cadre), musique, etc. C'est un médium puissant qui émeut votre cœur et votre esprit.

Qu'est-ce qui vous attend en 2015?

Ma première exposition solo institutionnelle en Chine, à l'UCCA à Pékin, s'ouvre en juin. Je tourne du nouveau matériel pour ça à Shanghai. Ce sera la première fois que je ferai un tout nouveau travail en Chine continentale. Je travaille également sur une commission pour la Triennale Asie-Pacifique 2015.

«After Chinatown» (vue détaillée en haut et en bas), 2012, Ming Wong

Images vidéo de «Me in Me» (vue détaillée, en haut, en bas et en bas), 2013, Ming Wong

Distinctions notables

«Islands Off the Shores of Asia», Para Site / Spring Workshop, Hong Kong, 2014; Illimité, Art Basel, Suisse, 2014; «Me in Me», Shiseido Gallery, Tokyo, Japon, 2013; «Ming Wong: Making Chinatown», REDCAT, Los Angeles, États-Unis, 2012; «Life of Imitation», Pavillon de Singapour, 53e Biennale de Venise, Italie, 2009.

Zulkifle Mahmod

Zulkifle Mahmod est à l’avant-garde d’une génération d’artistes des médias sonores dans le développement de l’art contemporain à Singapour, adoptant une approche multidisciplinaire / multi-genre qui comprend également des dessins, des estampes, des sculptures et des ready-made.

• Nom: Zulkifle Mahmod
• Âge: 39
• Ville natale / Basé à: Singapour
• Galerie (s) représentée (s) par: Yeo Workshop
• Outil (s) de choix: Son
• Influences: Joseph Beuys, Jeff Koons, Merzbow
• Instagram / Twitter: @ zulmahmod / @ zulmahmodartist
• Si ce n'est pas de l'art: aucune idée
• Ville préférée pour voir l'art: Berlin
• Mots par lesquels vous vivez: "Croyez en vous."

Pourriez-vous m'en dire plus sur votre processus?

J'aime beaucoup marcher et juste observer les gens et mon environnement. Après quoi j'ai mis toutes mes pensées et idées sur mon carnet de croquis avant de commencer sur l'œuvre d'art réelle où j'expérimente avec la technologie.

Où tracez-vous la frontière entre le technologique et l'artistique?

Quand la technologie devient le composant principal. Je privilégie toujours l’artistique puis la technologie. La technologie n'est qu'un médium comme la peinture, la sculpture et la céramique.

Quels artistes recherchez-vous?

Je suis toujours influencé par Joseph Beuys et Jeff Koons. Étonnamment, je ne suis pas tellement influencé par les artistes du son. Eh bien, je lis sur John Cage et son travail, et c'est intéressant mais d'une certaine manière, cela n'influence pas mon travail.

L’art sonore est-il quelque chose que vous avez toujours voulu faire?

J'ai été formé comme sculpteur. J'ai été initiée au travail du son lorsque je faisais ma résidence à Ona, en Norvège en 2001 par un artiste néerlandais. À l'époque, c'était plus comme de la musique par ordinateur. Donc, quand je suis revenu à Singapour, j'ai exploré plus avant le son.

En s'éloignant le plus souvent d'un aspect visuel, que signifie la beauté pour vous?

La capacité de transformer le bruit en quelque chose d'agréable et de faire partie de vous.

«No Substance» (vue détaillée), 2014; Zulkifle Mahmod

Qu'est-ce que l'art peut communiquer que les autres médias ne peuvent pas?

L'âme et l'honnêteté.

Pensez-vous que grandir à Singapour a influencé ou influencé la façon dont vous avez abordé votre pratique et votre art en général?

Bien sûr. Je ne peux pas le nier. C'est la partie la plus importante de moi et de mon travail.

Existe-t-il un moyen pour un spectateur d'approcher votre travail? Cela entre-t-il dans votre processus?

Non, approchez-les comme ils veulent. Il vaut mieux l'aborder avec un esprit ouvert comme toutes les autres formes d'art.

Pensez-vous que les mondes artistique et technologique se rapprochent ou devraient se rapprocher?

Je pense qu'ils devraient se rapprocher. Il élargira encore le vocabulaire de l'œuvre. Cela dit, nous ne devons pas ignorer l'âme de l'œuvre.

«No Substance» (vue détaillée), 2014; Zulkifle Mahmod

«ARENA V2» (vue détaillée en haut et en bas), 2014; Zulkifle Mahmod

«Sonic Encounter» (vue détaillée, Singapour), 2014, Zulkifle Mahmod

«Sonically Exposed» (vue détaillée), 2014, Zulkifle Mahmod

«Danser avec les fréquences» (vue détaillée), 2009, Zulkifle Mahmod

«Sonic Dome. Un empire des pensées »(vue détaillée), 2007, Zulkifle Mahmod

Distinctions notables

ZUL: SONICALLY EXPOSED, The Private Museum Gallery, Singapour, 2014; MEDIUM AT LARGE: Shapeshifting Material & Methods in Contemporary Art, Singapore Art Museum, Singapour, 2014; The Realm in the Mirror, the Vision out of Image, Suzhou Jinji Lake Art Museum, Chine, 2013; SEJOURS D'ART 9. FESTIVAL D'ART CONTEMPORAIN, Ptuj, Slovénie Bastija, 2011; 52e Biennale de Venise, Pavillon de Singapour, Venise, Italie, 2007.

Jahan Loh

Jahan Loh est un artiste visuel dont les racines sont solidement ancrées dans les polémiques du classique et du street art. Jahan Loh fusionne les médias traditionnels avec l'esthétique de la guérilla pour forger un style inimitable.

• Nom: Jahan Loh
• Âge: 38
• Ville natale / Basé à: Singapour
• Galerie (s) représentée (s) par: Chan Hampe Galleries (Singapour),
• Ode To Art (Singapour), Mingart (Taipei)
• Outil (s) de choix: Peinture aérosol, acrylique, marqueurs
• Influences: PHASE02, CRASHONE, Basquiat, Jeff Koons, COCO144
• Instagram / Twitter: @ jahan_ / pas de Twitter
• Si ce n'est pas de l'art: alors quoi?
• Ville préférée pour voir l'art: New York
• Mots par lesquels vous vivez: "Voir le monde d'une autre dimension."

Comment conceptualisez-vous une pièce?

Cela commence par la conceptualisation des idées et leur rétrécissement, je suis un dessinateur assez compulsif et je rédige mes pensées dans un carnet de croquis et développe ces idées initiales en concepts et essaie de peindre ou de sculpter ces pièces pour former une série d'œuvres.

Quand savez-vous que vous avez terminé avec un morceau?

Je suppose que vous le savez quand vous le savez, c'est difficile à dire. Certaines peintures prennent peu de temps et d'autres prennent jusqu'à un an pour être achevées.

Comment voyez-vous votre travail?

Encore un énorme travail en cours. Il y a encore tellement de choses que je veux créer mais je suis limité en n'ayant qu'une seule paire de mains.

Pensez-vous que la collaboration est importante?

«Full Metal Twenty Three», 2014, Jahan Loh

Les collaborations sont toujours intéressantes, mais elles doivent avoir un sens. Les synergies impliquées par différentes parties pour créer quelque chose peuvent être difficiles mais amusantes.

Quand avez-vous déménagé pour la première fois à Taiwan? Et à quoi ressemblait cette transition?

J'étais peut-être plus jeune et j'ai eu la chance d'être entouré d'un nouvel environnement avec la compagnie de mes amis, donc cela ne ressemblait pas vraiment à une transition par rapport à mon retour à Singapour il y a trois ans.

Que pensez-vous de l’état actuel du street art, alors qu’il est de plus en plus largement accepté et totalement mal compris comme un «jeu de forme»? Pensez-vous qu'il peut exister sans son vrai raison d'être, qui a toujours été basé sur la non-conformité, la diversité et la rébellion?

Le street art est un art sanctionné réalisé dans un style urbain, et il est très différent du graffiti. Je dirais que le graffiti est comme un tigre sauvage dans la jungle et le street art est comme un tigre dans un zoo. Les deux entités ont le même ADN mais elles ont chacune un esprit et un message différents. L'un est un esprit de rébellion et un autre une vitrine de contrôle. Je ne pense pas qu'il y ait quelque chose de mal avec ces deux formes d'expression, c'est juste un reflet des temps qui changent.

Pensez-vous que votre participation au monde de la mode est liée à votre pratique artistique?

Je ne sépare pas les projets en art, mode ou design. Je pense que tout découle de l'art, et les choses qui en découlent ne sont que différents médias et permutations de ce concept initial qui a été exprimé comme une œuvre d'art. Les institutions d'art traditionnel à Singapour comme les musées sont des puritains romantiques vivant dans une époque révolue, ils séparent le design dans le monde du design, l'art dans le monde de l'art et la mode dans le monde de la mode. Ils ne voient pas que tout est connecté dans le monde réel. Aujourd'hui, les gens en général ont une compréhension plus sophistiquée de la relation entre ces entités. Les gens de la mode comprennent ce qui est considéré comme le street art, les gens du monde de l'art ont une compréhension des baskets et des vêtements de rue. Aujourd'hui, tous ces mondes esthétiques ont fusionné en un immense terrain de jeu culturel avec de multiples plateformes pour les artistes contemporains.

Pourquoi les gens devraient-ils se soucier de l'art?

Tout est interconnecté, l'art imite la vie, alors peut-être qu'on devrait regarder la vie sous un angle différent.

De nombreux artistes avec lesquels nous avons parlé utilisent Instagram non seulement comme outil de communication, mais aussi comme source d'inspiration. Comment utilisez-vous Instagram?

Je l'utilise pour le plaisir et pour regarder des photos intéressantes.

Qu'est-ce qui s'en vient?

Je prépare un nouvel ensemble d'œuvres pour ma résidence d'art chez MANA Contemporary et des expositions à New York et Taipei.

«The Ratrace», 2011, Jahan Loh

«Mars» 2011, Jahan Loh

«Beijing 01», 2011, Jahan Loh

«The Risen», 2011, Jahan Loh

Distinctions notables

Gentlemen’s league (émission conjointe avec John “CRASH” Matos), Miami Bâle / USA, 2014; TROIS (Exposition d'art solo, parrainée par Casio G-Shock), Wangfujing / Pékin, 2014; Ghost: The Body at the turn of the Century, Musée d'art de Singapour, Biennale de Singapour 2013, Sculpture Square, Singapour, 2013; Double Dragon (exposition conjointe avec Steve Caballero), UNITY Gallery / Hong Kong, 2013; Héros de la classe ouvrière, Galeries Chan Hampe, Singapour, 2013.

Page de face: Full Metal Twenty Three, 2014, Jahan Loh.

Cette page, dans le sens horaire à partir du haut à gauche: Pékin 01, 2014; Mars, 2009; The Ratrace, 2011; Le Ressuscité 02, 2013, Jahan Loh.

Jason Lim

Jason Lim est un artiste singapourien dont le répertoire d'œuvres englobe la céramique, la photographie, l'art vidéo, l'art d'installation et l'art de la performance. Il a organisé et créé diverses plates-formes permettant aux praticiens de l'art alternatif de se rencontrer et de collaborer, et enseigne actuellement à la School Of The Arts de Singapour.

• Nom: Jason Lim
• Âge: 48
• Ville natale / Basé à: Singapour
• Galerie (s) représentée (s) par: Gajah Gallery
• Outil (s) de choix: Coeur
• Influences: Boris Nieslony, Norbert Klassen
• Instagram / Twitter: @ lin_rong_hua / pas de Twitter
• Si ce n'est pas de l'art: enseigner
• Ville préférée pour voir l'art: Venise
• Mots par lesquels vous vivez: «Chance, choix, changement».

Vous travaillez dans plusieurs médias. Comment as-tu commencé? Et quel est votre lien avec la céramique?

Différentes idées nécessitent différents médias pour l'expression et l'exécution. Il est également sain qu'un artiste soit prêt à prendre le risque d'explorer différents médias et de sortir de sa zone de confort. J'ai eu ma formation en céramique mais j'ai commencé ma pratique artistique en faisant de l'art d'installation puis de la performance.

J'ai entendu dire que vous aviez commencé la méditation. Est-ce pour tempérer le chaos dans votre vie, ou pour compléter un intérêt existant pour la patience et le stoïcisme?

Avec la méditation, j'espère devenir un meilleur être humain.

Avez-vous grandi spirituellement?

J'ai grandi dans une famille où mon père était taoïste et ma mère pratiquait le bouddhisme japonais. J'ai étudié dans une école catholique en allant à la messe tous les vendredis et mon ex-femme est musulmane. Maintenant, je vis selon les enseignements de Bouddha. Alors, allez comprendre.

Existe-t-il un moyen pour un spectateur d'approcher votre travail? Cela entre-t-il dans votre processus?

Je souhaite créer des images et encourager le spectateur à interpréter mon travail en fonction de sa propre expérience de vie. Ce faisant, des couches de significations créées par les spectateurs enrichissent les œuvres.

Qu'est-ce que l'insertion viscérale dans vos performances fait pour vous personnellement? Pensez-vous que c'est thérapeutique, une sorte de catharsis?

Il est important d'avoir ma propre présence dans mon travail. La présence du corps de l’artiste est l’une des quatre essences importantes de la performance. Les trois autres essences étant le temps, l'espace et le public. Je ne suis plus Jason Lim lors d'une performance, je suis un corps en temps réel et dans l'espace actualisant une idée, témoin d'un groupe de personnes.

La création de travail vous aide-t-elle à combattre la frustration?

Parfois, c'est le processus des travaux qui est frustrant. Je vois ces œuvres comme un défi pour la construction de caractère. Je préfère prendre les défis positivement comme un voyage d'apprentissage qui est ce qu'est la vie - nous apprenons quelque chose chaque jour jusqu'au jour où nous cessons de vivre.

Comment votre enfance à Singapour vous a-t-elle influencé?

Les «restrictions» à Singapour me créent des limites pour pousser ma pratique artistique. Je trouve cela difficile et cela m'influence dans ma façon de penser, de faire et de présenter les choses. La deuxième chose à propos de Singapour qui m'influence est le développement constant. Cette constante évolution, démolition et reconstruction fait comprendre pour moi que le concept de rien n'est pas permanent. Cette compréhension influence la façon dont j'utilise les matériaux dans mes pratiques en céramique et en art de la performance.

Comment vous compareriez-vous maintenant à vos débuts?

J'ai vieilli et j'ai une perspective plus large des choses. Avec les expériences et la maturité, les mêmes problèmes peuvent être traités différemment.

Quel est le mode de travail qui vous convient et varie-t-il en fonction du support sur lequel vous travaillez?

De nouvelles expériences, de nouveaux lieux, de nouvelles cultures, des comportements et des rituels humains intéressants, l'histoire, la nature et les conversations - tout cela peut déclencher de nouvelles façons de travailler pour moi.

Pourquoi les gens devraient-ils se soucier de l'art?

Parce que l'art c'est la vie.

«Head Stones, Patagonia, Chile», 2014, Jason Lim

Série «Landscape Studies» (vue détaillée, ci-dessus et ci-dessous), 2013, Jason Lim

Distinctions notables

Co-directeur artistique et directeur artistique de Future of Imagination (un événement international de performance artistique organisé à Singapour) 2 (2004) & 5 (2008) et 7 (2011), 8 (2012) & 9 (2014) respectivement; Un artiste invité se joindra au collectif d'art du spectacle Black Market International pour sa tournée de célébration du 25e anniversaire en Pologne, en Allemagne et en Suisse, 2010; Prix ​​du juré, 4e Biennale mondiale de la céramique, Corée, 2007.

Ho Tzu Nyen

Ho Tzu Nyen est un artiste visuel singapourien qui travaille principalement dans le cinéma, la vidéo et la performance, et a récemment développé des installations multimédias environnementales. Il a également beaucoup écrit sur l'art.

• Nom: Ho Tzu Nyen
• Âge: 38
• Ville natale / Basé à: Singapour
• Galerie (s) représentée (s) par: Aucune
• Outil (s) de choix: Le système nerveux
• Influences: Andrei Tarkovsky, Gilles Deleuze
• Instagram / Twitter: Aucun
• Si ce n'est pas de l'art: alors je vais juste lire…
• Ville préférée pour voir l'art: Aucun
• Mots par lesquels vous vivez: "Restez en vie."

Le cinéma est-il toujours quelque chose que vous avez toujours voulu faire?

Pas du tout. En fait, pendant très longtemps, je n'ai pas voulu faire quoi que ce soit, mais simplement être laissé à moi-même, afin de pouvoir poursuivre et enquêter sur mes diverses curiosités.

On dit, dans vos descriptions, que les textes philosophiques sont l'une de vos préoccupations. Quels philosophes / écrivains / théoriciens avez-vous recherchés? Y a-t-il un arc particulier de philosophie qui vous intéresse?

Il y a beaucoup d'écrivains et de penseurs qui ont été importants pour moi. Si je dois simplement en nommer un, ce serait Friedrich Nietzsche. Je ne pense pas qu'il y ait un arc particulier de philosophie sur lequel je suis attiré, mais les livres qui me touchent le plus sont ceux où mon expérience de la lecture était intensément physique.

Pensez-vous que grandir à Singapour a influencé votre façon d'aborder vos films et votre art en général?

Inévitablement oui.

À quoi ressemble votre mode de travail et varie-t-il en fonction du support sur lequel vous travaillez?

Le mode de travail est très consommateur, quel que soit le support.

Il semble que vous ayez consacré énormément de recherches à tout. Pensez-vous souvent au spectateur?

Oui. L'œuvre ne vit que dans l'espace entre l'objet d'art et le public.

Voyez-vous de l'instrumentalité dans votre travail?

Pas à moi. Je pense qu'il est important que l'art fonctionne comme des champs de force contre l'instrumentalité.

Que signifie la beauté pour toi?

Un paradoxe parfaitement clair.

Vos films traitent généralement de paradoxes et d'incertitudes. Le dualisme vous intéresse-t-il?

Ce qui m'intéresse, c'est la coexistence de la singularité et de la multiplicité.

Quoi de neuf en 2015?

J'ai deux projets à venir à Berlin en février. Le premier s'intitule «The Nameless», un film sur la personne connue sous le nom de Lai Teck, qui fut le secrétaire général du Parti communiste malais de 1939 à 1947, et un triple agent. Le second s'intitule "The Name", un film sur un auteur inexistant connu sous le nom de Gene Z. Hanrahan, qui a écrit l'un des premiers et des plus anciens récits historiques sur le communisme malais.

«TERRE» (vue détaillée), 2009-2012, Ho Tzu Nyen

«The Bohemian Rhapsody Project», 2006, Ho Tzu Nyen

«Le nuage de l'inconnu» (vue détaillée), 2011, Ho Tzu Nyen

Distinctions notables

«Je suis juste heureux d'avoir pu produire de nouvelles œuvres», déclare Tzu Nyen, avec «Ten Thousand Tigers» comme sa dernière œuvre - une performance théâtrale présentée au Esplanade Theatre Studio et au Festival de Vienne l'année dernière, et qui sera voyager à Sydney et Gwangju en 2015.

Heman Chong

Heman Chong est un artiste conceptuel singapourien de renommée mondiale mieux connu pour ses travaux d'installation, mais est également à l'aise avec les pinceaux, les peintures et les toiles.

• Nom: Heman Chong
• Âge: 37
• Ville natale / Basé à: Singapour
• Galerie (s) représentée (s) par: Rossi & Rossi, Wilkinson Gallery, Vitamin Creative Space
• Outil (s) de choix: non-sens
• Influences: sur Kawara
• Instagram / Twitter: pas d'Instagram / @ hemanchong
• Sinon art: Escort
• Ville préférée pour voir l'art: Londres
• Mots par lesquels vous vivez: "Le temps passe comme une flèche, les fruits volent comme une banane." - Groucho Marx

Pourquoi les gens devraient-ils se soucier de l'art?

La dernière chose que je souhaite faire est de dire à quiconque ce qu'il doit ou ne doit pas faire. C’est aussi la raison pour laquelle je ne peux pas avoir d’enfants.

Voyez-vous de l'instrumentalité dans votre travail?

«La pire chose qui pourrait arriver à n'importe qui serait de ne servir à rien pour personne. Merci de m'avoir utilisé, même si je ne voulais être utilisé par personne. " - Kurt Vonnegut, Les sirènes de Titan

Qu'est-ce qui vous récompense le plus?

Grand sexe.

Comment vous compareriez-vous maintenant à vos débuts?

Je suppose que je suis moins sérieux à mon sujet ces jours-ci. La vie est plus facile quand on peut rire des choses.

Une grande partie de votre travail est supprimée, réduite à des informations presque pures et minimisant l'objet d'art. Pensez-vous qu'en supprimant les déclencheurs évidents et l'ornement, cela permet aux gens de «voir» plus et de s'engager plus personnellement?

Je souhaite créer des choses qui ne sont qu’une étape de leur intention initiale. Une librairie qui ne vend que des livres de science-fiction, des peintures qui fonctionnent comme des couvertures de livres, un million de cartes de visite noircies et mises à nu sur le sol - ces choses permettent à quelqu'un d'entrer dans une situation où ils comprendraient que la réalité est composée de tant de différents ensembles de réalités basées sur ce que les gens disent que les choses devraient ou ne devraient pas faire à certains moments. J'ai un gros problème avec l'autorité.

Que pensez-vous de la beauté?

J'aime faire de belles choses.

Votre présence sur les réseaux sociaux est incroyablement ludique et diversifiée. Est-ce une ressource pour votre art?

Ce n'est pas une ressource. C’est une dépendance.

Vous vous intéressez au futurisme, pensez-vous que les mondes artistique et technologique se rapprochent, ou devraient se rapprocher?

Je suis un artiste, pas l'oracle. Je ne peux pas prédire l’avenir.

Quel est l'objectif final?

Je ne sais pas.Si vous le découvrez, envoyez-moi un e-mail, s'il vous plaît.

Jailbird / Kurt Vonnegut, 2014, Heman Chong

«La côte des moustiques / Paul Theroux», 2013, Heman Chong

«Rogue Male / Geoffrey Household», 2014, Heman Chong

«Les particules élémentaires / Michel Houellebecq», 2013, Heman Chong

Distinctions notables

«Never, A Dull Moment», Art Sonje, Séoul, Corée du Sud, 2015; «Extinction Marathon», Serpentine Galleries, Londres, Royaume-Uni, 2014; «10th Gwangju Biennale», Gwangju, Corée du Sud, 2014; «Asia Pacific Triennale 7», Queensland Art Gallery, Brisbane, Australie, 2012; «Calendars (2020-2096)», NUS Museum, Singapour, 2011.

Crédits d'histoire

Texte de Tan Boon Hau

Photographie par Long Fei - T2 Pictures

Renaissance Européenne [2] - Le Quattrocento, un nouveau visage de l'art (Avril 2024).