Interview: Artiste Michaël Borremans
Michaël Borremans est un artiste belge dont l'œuvre est aussi fascinante que mystérieuse, et en tant qu'être humain, aussi délirant que les génies. S'asseoir avec Art Republik, Borremans nous dit qu'il a un studio de campagne spécialement pour les invités, équipé d'un sauna au feu de bois et d'une salle de bain, qu'il a fièrement conçue lui-même, faite de marbre et de miroir - «c'est la décadence», se vante Borremans. Déjà, fidèle à ses tableaux, nous sommes à la fois émerveillés mais inquiets.
Borremans est né en 1963 à Geraardsbergen, en Belgique, et vit et travaille actuellement à Gand. En 1996, il a reçu son M.F.A. de Hogeschool voor Wetenschap en Kunst, Campus St. Lucas, à Gand. En tant qu'artiste, Borremans est actuellement spécialisé dans la peinture avec une maîtrise technique du médium qui rappelle la peinture classique, rappelant l'un des vieux maîtres comme Francisco Goya, tout en ayant débuté dans le dessin et récemment expérimenté le cinéma.
Depuis 2001, l’œuvre de l’artiste est représentée par David Zwirner. Les expositions personnelles précédentes à la galerie de New York incluent «The Devil’s Dress» (2011), «Taking Turns» (2009), «Horse Hunting» (2006) et «Trickland» (2003), qui ont marqué ses débuts aux États-Unis. Sa dernière exposition solo, «Black Mold» (2015) a marqué sa première présentation solo à David Zwirner, Londres, et sa première présentation solo dans la ville en 10 ans.
Michaël Borremans par Tim Drivens
En regardant son dernier corpus d’œuvres en relation avec l’artiste lui-même, ‘Black Mold’ se compose de peintures de tailles variées qui présentent des personnages anonymes, presque zélés, presque cultes, en robe noire. Ces individus non identifiés défilent à travers la série en jouant, posant et dansant seuls ou en groupe, comme s'ils étaient dépourvus de tout comportement humain normal. Il est impossible de détourner le regard car la curiosité tue lentement le spectateur. La galerie David Zwirner note qu '«il y a une dimension théâtrale dans ses œuvres, qui sont hautement mises en scène et ambiguës, tout comme ses scènes complexes et ouvertes se prêtent à des humeurs conflictuelles - à la fois nostalgiques, sombrement comiques, dérangeantes et grotesques. Ses peintures affichent un dialogue concentré avec les époques historiques de l'art, mais leurs compositions non conventionnelles et leurs récits curieux défient les attentes et leur confèrent un caractère indéfinissable mais universel ».
«L'archétype de la peinture de Borremans est une énigme séduisante, une bouillabaisse de spécificité, d'obscurité, d'anxiété, d'humour et de grande technique», a commenté Martin Herbert pour ArtReview. Il est vrai que l'atmosphère entourant «Black Mold» reste cohérente avec l'œuvre de Borremans, dramatique mais utile, avec une fenêtre ouverte sur un autre monde ou univers qui est en quelque sorte imaginaire mais familier, laissant le spectateur mal à l'aise mais inspiré. De plus, la réalité insaisissable de la série semble à la fois actuelle et intemporelle; le secret des sujets et du cadre peut initialement être perçu comme soulignant la nature rituelle de la vie humaine à travers les siècles et les cultures, mais à y regarder de plus près, il peut également signifier un discours au sein de la société actuelle de moralité, de foi, d'hégémonie et même de politique.
Le travail de Borremans a fait l'objet d'expositions personnelles dans de nombreuses institutions de renommée mondiale telles que le Palais des Beaux-Arts de Bruxelles; Musée d'art de Tel Aviv; Musée d'art de Dallas; le Musée d'art contemporain Hara, Tokyo; et de Appel Arts Centre, Amsterdam. Le travail de l'artiste est conservé dans des collections publiques internationales, dont l'Art Institute of Chicago; Dallas Museum of Art, Texas; High Museum of Art, Atlanta, Géorgie; Musée d'Israël, Jérusalem; Musée d’art moderne de la ville de Paris; Musée d'art contemporain, Los Angeles; Musée des beaux-arts de Boston; Le Musée d'Art Moderne de New York; Musée des beaux-arts du Canada, Ottawa; Musée d'art moderne de San Francisco; Stedelijk Museum voor Actuele Kunst (S.M.A.K.), Gand; et le Walker Art Center, Minneapolis, Minnesota.
Art Republik se réchauffe lentement vers la vedette de notre numéro, Michaël Borremans, qui nous parle franchement de sa carrière, de ses philosophies et du sens de la vie.
Être à la fois peintre et cinéaste, qu'est-ce qui vous prime? Pouvez-vous discuter de la différence entre le récit en peinture et au cinéma?
Oh je suis peintre, je ne suis pas cinéaste. Mais j’utilise le film pour étendre ce que j’essaie de faire avec la peinture. Je ne me vois pas comme un vrai cinéaste. Et mon utilisation du film a été très limitée dans mon œuvre. En fait, je me considère plus comme un sculpteur, parce que la plupart de mon travail est basé sur des idées de sculpteur et, éventuellement, j'espère créer ma propre sculpture. Mais ce que je préfère dans les peintures que dans les sculptures, c'est que les peintures sont une fenêtre sur une autre réalité, alors que les sculptures sont dans notre réalité. C’est pourquoi j’essaie de représenter mes idées de sculpture en utilisant d’autres médias.
Parlez-nous de ce détachement de la réalité qui est très apparent dans tout votre travail.
Je trouve que ce que j'aime tant dans la peinture, depuis que je suis un petit garçon, c'est qu'elles sont si mystérieuses. Ils sont comme une porte ou une fenêtre vers un endroit où vous ne pouvez pas entrer, mais vous pouvez voir. Et j'utilise encore fortement cet aspect dans tout mon travail.
Vous avez mentionné que «le regard direct est inutile.Le tableau deviendrait alors un portrait ». Pourquoi ne considérez-vous pas vos tableaux comme des portraits?
Eh bien, j'utilise les formats classiques comme le portrait, le nu, la nature morte parce que je veux apporter quelque chose dans la peinture qui est très reconnaissable pour le spectateur, mais je change quelque chose à l'intérieur, puis ça ressemble plus à une image générale de une condition humaine. Il est donc également important de noter que les figures de mes tableaux ne sont pas des individus, ce sont des figures générales.
Avec l'ambiguïté de vos sujets, vous inspirez-vous généralement de quelque chose ou de quelqu'un de spécifique en premier?
C'est toujours une histoire différente avec chaque peinture. Parfois c'est un rêve, parfois c'est quelque chose que je me souviens avoir vu. Toutes mes œuvres ont leurs propres origines.
Vous avez été formé à l'origine comme photographe et prenez toujours des photos que vous utilisez comme référence pour vos peintures. Qu'est-ce que la photographie en tant que médium ne vous intéresse plus?
Je ne suis pas une personne sociale et si vous êtes photographe, vous devez sortir et être social et ce n'était pas pour moi. Je suis le genre d'artiste qui aime rester et être dans mon propre monde.
En quoi la photographie diffère-t-elle de la peinture et aussi du film?
Une photographie est un support très transparent. Si vous regardez une photo, vous regardez d'abord l'image, vous regardez ce que vous voyez sur la photo; vous ne pensez jamais: "Oh, la photographie est une illusion." Mais vous pensez toujours à une peinture, vous savez que vous regardez une toile, alors qu'avec une photo ou une vidéo ou quand vous regardez la télévision, vous regardez les faits, vous ne regardez pas le médium. Et j'aime que la peinture offre cette proximité et que le monde représenté sur la toile soit imaginaire.
Il semble y avoir une matité délibérée dans vos peintures, mais un message paradoxalement fort dans le banal. Pouvez-vous nous en dire plus à ce sujet - l'utilisation fréquente de couleurs non saturées?
Pour celui que j'ai commencé à dessiner, je n'ai commencé à peindre que tard dans la trentaine, donc je viens d'un monde en noir et blanc. Les couleurs ne sont entrées que lentement. Et parce que pour moi, je veux créer une atmosphère dans les peintures, et trop de couleurs vives vont interférer avec mes idées d'atmosphère, surtout que les couleurs sombres créent une atmosphère très théâtrale. Et lorsque j'utilise des couleurs, elles ont un objectif très fonctionnel et uniquement lorsque j'en ai besoin, mais j'essaie toujours de limiter mon utilisation car elles distraireaient trop de l'image.
Diriez-vous que l'utilisation des couleurs suit également votre état de vie? La vie est-elle belle pour toi?
Eh bien, je ne suis pas la personne la plus joyeuse. La vie est une chose délicate, elle est très moche et belle à la fois, très attirante mais pas; c’est ce que j’essaie de dire dans mon travail. J'ai de forts sentiments doubles sur la vie. Je pense que quand nous mourrons, nous devrions être heureux de pouvoir mourir - c'est bien qu'il y ait une issue.
Vous pouvez faire deux choses dans la vie: vous pouvez faire des choses que vous aimez, que vous trouvez attirantes et amusantes, ou vous pouvez simplement regarder dans le vide et vous suicider. C’est un choix que tout le monde doit faire. Mais je n’ai pas peur de vivre et je veux vivre à des niveaux élevés; d'une manière simple, sans grandes exigences, mais pour pouvoir travailler, faire ce que j'aime. Avant de devenir artiste, j'étais professeur d'art, enseignant le dessin pendant 10 ans jusqu'en 2000, mais ce n'était que pour joindre les deux bouts. Je suis heureux d'avoir de l'art maintenant.
Si ce n'est pas de l'art, que feriez-vous?
Un mécanicien automobile, même si je ne pense pas que je serais bon dans ce domaine. Mais je suis fou de voitures. J'adore les vieilles voitures, elles sont comme des sculptures lorsqu'elles sont bien conçues. J'ai récemment acquis moi-même une Jaguar E Type. Oh, c'est incroyable, surtout son odeur, ça sent comme un vieux magasin de chaussures d'un souvenir d'enfance.
Cet article a été publié pour la première fois dans Art Republik.
