Vers l'infini et au-delà avec Jahan Loh

Ce n'est pas un conte de fées. Ceci est une histoire de l'opprimé de Luke Skywalker sur Art Republik Jahan Loh (née en 1976), artiste contemporain singapourien actuellement basé à Singapour; essayant toujours de trouver une maison dans son pays d'origine, et perdrait probablement un bras avant qu'il ne le fasse finalement. Sa philosophie sur l'art et l'artiste est aussi simple et avant-gardiste que possible: «L'art contemporain fait écho à la vie moderne car les deux sont en constante évolution. Les artistes doivent être sensibles aux changements dans leur environnement ou cela pourrait s'avérer dangereux s'ils entament leur voyage créatif sans préparation. Ils doivent constamment développer et modifier leur pratique et s'efforcer en permanence d'introduire de nouveaux éléments visuels pour stimuler leur public. »

Jahan croit qu'un artiste doit être prêt à aller de l'avant avec un monde en constante évolution, pas nécessairement pour briser la tradition, mais la réinventer et toujours garder l'esprit ouvert; il s'agit d'embrasser le changement, pas de le combattre; d'être commercial, mais pas de vendre; sur l'expression de soi, pas sur la privation de soi; de passion, pas de propagande.

Toujours sur la route non empruntée, Jahan a refusé une carrière en droit pour une dans l'art lorsqu'il a accepté une bourse en beaux-arts au LASALLE College of the Arts, Singapour, de Singapore Press Holdings (SPH). L'écrivaine et conservatrice Alexandra Chang écrit dans son introduction au livre de Jahan, qui retrace son parcours artistique de 2013 et avant, intitulé «Instructions de base avant de quitter la Terre» (2013), que «[l] il se concentre sur l'abstraction à l'école à le temps s'oppose à son intérêt pour les icônes culturelles pop et les formes figuratives. Dans une tentative de se réconcilier avec les limites de sa situation, il a créé un travail qui incorporait une évaluation négative du professeur dans son programme et une série de critiques passées sur sa peinture, citant Basquiat comme son influence à l'époque ».

Palm Boy, 2009

Jahan a continué à attirer l'attention de Nokia, mais a perdu le respect du département d'art LASALLE, qui l'a à peine dépassé. Nokia lui a cependant remis un prix lors de leur Nokia Regional Awards Show 2000, à la suite d'une exposition de groupe itinérante qui a visité Singapour, Kuala Lumpur, Taipei, Pékin, Hong Kong et Auckland.

Après avoir obtenu son diplôme de LASALLE, il a poursuivi ses études, se spécialisant en design, et obtenu sa maîtrise à l'Université de Nouvelle-Galles du Sud, avant de retourner à Singapour pour servir sa bourse d'études au sein de la division SPH de The Straits Times où il a travaillé comme artiste, créant des dessins animés et des infographies pour le journal national. Il a rompu son lien avec SPH en un an et a déménagé à Taipei, Taïwan, en 2002, après y avoir obtenu un emploi, où il a travaillé chez MACHI Entertainment sous la direction de Jeffrey Huang, directeur créatif de l'entreprise.

À Taipei, Jahan est devenu célèbre pour ses dessins pour la conception des pochettes de CD de Machi (groupe hip hop) et les clips du groupe. Il a remporté plusieurs prix de la musique taïwanaise, y compris le design de la pochette de CD de MTV de l'année. Avec l'essor de l'industrie musicale taiwanaise, il a créé Invasion Studios en 2004 avec Jeff et son frère Stanley Huang pour concevoir des pochettes d'albums et des clips. Avec l'avancement des téléchargements de MP3 et de musique, l'industrie a décliné et Jahan a tourné la direction d'Invasion Studios vers l'art et l'animation, qui comprenait la fabrication de jouets en vinyle. Son travail à la fois en tant qu'artiste commercial et artiste de rue / marque une nouvelle approche des pratiques artistiques à Taiwan.

Déjeuner de porc C, 2011

Jahan est le genre de gars qui prend et ne prend pas la vie au sérieux. Il suit son instinct partout où il peut l'emmener. Il se souvient: "En y repensant, je ne pensais pas que tout deviendrait si grand ... mais à l'époque nous étions encore une toute petite communauté."

En 2005, Jahan s'est rendu à New York où il a collaboré avec son idole d'enfance John 'CRASH' Matos pour préparer deux expositions consécutives prévues pour juin 2006. Pendant son séjour à New York, Jahan a également rencontré l'artiste Phase 2, qui a pris fin jouer un rôle central dans la culture de l'identité de Jahan en tant que personne et artiste.

«Vous avez raison en Asie, mais vous peignez comme nous le faisions dans les années 70. Alors, où est ton identité? " Jahan se souvient de la phase 2 lui demandant. «Quand il a dit ça, il m'a vraiment fait réfléchir: c'est vrai que je suis chinois, je suis singapourien, mais beaucoup de gens en Chine pensent que je suis taïwanais, alors que suis-je? Il y a eu cette période où je réfléchissais vraiment. »

The Clash, 2013

Alexandra Chang écrit: «Sortant de cette expérience… [Jahan] a commencé à tenir son pinceau en chinois mao bi styliser et peindre son travail scénarisé en noir et blanc, faisant référence à la tradition calligraphique chinoise. Pourtant, cela ne comprenait qu'une partie des… affinités et croisements artistiques de [Jahan] en tant qu'artiste formé dans les rues de Singapour, Tokyo et Taiwan, ainsi que d'une école d'art, et façonné par des graffeurs des années 1970 et 1980 à New York et sa vague d'influence mondiale et le phénomène international de la culture du jouet, du manga et de la bande dessinée. Après avoir lutté avec les confins du monde de l'art et des labels nationaux de graffeurs et de galeries d'art, de design et de beaux-arts, et sa propre identité culturelle… [Jahan] s'est retrouvé à vivre dans l'espace d'identités multiples qui se chevauchent avec de multiples catégorisations potentielles possibles. ”

Après, en 2006, son travail avec CRASH a été exposé à Esplanade, Singapour, intitulé «Collison I» et «Collison II». Il s'agissait de la première exposition d'art graffiti organisée dans une institution artistique formelle de Singapour. En 2007, Loh a signé avec la galerie Mingart de Taipei et a organisé sa première exposition solo d’art pop de Taipei en 2008, «Cherry Pop II». L'exposition controversée représentait des peintures et des sculptures nues suggestives, ce qui lui a valu beaucoup d'attention de la part des médias.

Cherry Pop II, la première exposition solo d'art pop de Jahan en 2008 à la galerie Mingart

«‘ Cherry Pop ’est un concept que j'ai conçu en 1998 et actualisé en 2003 lorsque les peintures que j'ai créées pour cette série ont été exposées lors de ma première exposition personnelle à Singapour. Je ne l'ai pas fait simplement pour stimuler ou attirer mon auditoire; il s'agissait plus d'un projet personnel d'explorer l'identité à travers un spectre d'émotions », explique Jahan.

Les critiques taiwanais l'ont reconnu comme l'un des artistes clés qui a fait du pop art de Singapour un lieu international. Cette même année, en 2008, il a été sélectionné pour 8Q-RATE, l'exposition inaugurale de 8Q SAM à Singapour. Après le spectacle, il a pris un an de congé sabbatique avant de revenir en 2009 avec une exposition personnelle au 798, Pékin, Chine, parrainée par VANS; l’exposition ‘The Great Wall’ a été la première exposition nationale d’art de rue.

«La culture visuelle contemporaine englobe une gamme de pratiques à travers les disciplines, les industries et les médias», explique Tan Siuli du Singapore Art Museum. «Parmi ceux-ci, aucun n'a peut-être gagné autant de visibilité ces dernières années que l'art du graffiti, alimenté en partie par la popularité croissante de praticiens tels que Banksy et Shepard Fairey, dont les commentaires ironiquement critiques parsèment le paysage urbain comme des rencontres fortuites au coin des rues. et des murs de briques. "

En 2010, Jahan a créé des peintures et des sculptures de sujets pop emblématiques en tant que collectif avec Jakuan Melendez de l’ancien 360 Toy Group et l’acteur de Hong Kong Edison Chen qui était du surnom d’Etelier des Chene. Le trio s’est nommé «Treacherous Treis» et a présenté son travail au Museum of Art & Design de Singapour. Parmi ces sujets pop emblématiques, il y a notamment sa série «Hello Pussy» (2010), qui est essentiellement des sculptures en fibre de verre d'un personnage Hello Kitty aux tons bleus, chacune entourée d'une mare de sang rose vif.

Alexandra Chang écrit: «Lorsqu'elle est introduite dans le cadre de la plus grande gamme d'œuvres de l'artiste, cette sculpture (« Hello Pussy ») est parallèle à la forme féminine en fibre de verre bleue accroupie ouvertement sexualisée, entourée d'une piscine en plastique rouge de sang menstruel dans« Cherry Pop ». Girl 'de sa série' Cherry Pop '. Dans `` Hello Pussy '', le travail passe d'un regard adolescent plus simple à la sexualité féminine, et signale plutôt un jeu sur l'innocence et les points de vue en couches et multivalents que l'artiste est capable de rassembler en compressant de nombreux moments dans une seule image - tous signifiés par une icône d'enfance qui passe à l'âge adulte. »

Après avoir passé neuf ans à Taïwan, Jahan est retourné à Singapour en 2011 où il a créé sa série `` Cherry Poke: Reconstructed Philosophies '' (2011) qui a été exposée dans diverses expositions dont une exposition solo en 2011 à Esplanade, Singapour, et une exposition de groupe en 2012 intitulée '15 Minutes Eternal ', une exposition d'Andy Warhol au ArtScience Museum, Marina Bay Sands, Singapour.

«Je voulais rompre avec mon ancien style figuratif et créer une série d'œuvres de natures mortes qui définissent ma nationalité en tant que Singapourien, car je sentais qu'après avoir passé… des années à Taipei, même certains magazines d'art chinois écrivent que je suis taïwanais, », Explique Jahan.

Autant en emporte les chiens, 2013

Puis 2013 a vu la création de «Working Class Hero» (2013), où Jahan a recontextualisé l'iconographie et la culture pop dans une exposition personnelle aux Chan Hampe Galleries du Raffles Hotel, à Singapour. ‘Working Class Hero’ introduit de nouvelles façons d’envisager des récits familiers, rendant hommage aux héros invisibles du quotidien à travers des références pop et religieuses qui explorent un examen contemporain de Singapour et au-delà.

«Ces icônes tirées des médias de masse ne visent pas à gagner en popularité instantanément, mais à obtenir une connexion pour mettre en lumière les subtilités sociales, afin qu'elles puissent être honnêtement explorées», explique Jahan. "Des super-héros qui se battent pour la justice dans le monde de la bande dessinée aux héros humains qui font une différence chaque jour dans le monde réel ... [" Le héros de la classe ouvrière "est] un record aux actes de héros invisibles ... La déconstruction d'icônes populaires dans ma nouvelle série a été réalisée afin d'accomplir non seulement une tâche critique ou philosophique mais aussi intergalactique: altérer sa perception de la réalité et ouvrir de nouveaux espaces d'être et de devenir; celui qui explore la possibilité de nouvelles formes, de nouveaux corps et de nouveaux esprits. »

Au cours des deux années suivantes, Jahan a publié «Basic Instructions Before Leaving Earth» (2013), une bible de son œuvre; a participé à une résidence de quatre mois à l'ESKFF chez MANA Contemporary, Jersey City, New Jersey, USA; abandonné la licence; a fait diverses collaborations commandées, dont une avec le détaillant de baskets basé à Singapour Limited Edt pour l'ouverture de leur neuvième magasin, où il a créé une sculpture de Michael Jordan de 150 kg grandeur nature intitulée «Full Metal Twenty Three» (2014); et a commencé à préparer sa nouvelle série ‘STATIC PARITY:’ (TBA).

D'être connu sous le nom de `` Dazed-J '' lors de sa première incursion dans l'art de la rue au début des années 90, jusqu'à avoir sa propre étiquette `` jahan-loh '' sur (peut-être le site Web de culture de rue le plus populaire au monde) Hypebeast, Jahan est un artiste visuel qui est en partie du futur, en partie contre-culture, et a des techniques et un état d'esprit qui est en partie beaux-arts, en partie rue. Son travail est à la fois highbrow et lowbrow, plein d'esprit mais pas trop intellectualisé, ludique mais agréable au goût. Des filles néo-pop aux héros intergalactiques, des croisés de capes aux chasseurs de dragons, le monde des merveilles graphiques de Jahan regorge d'images populaires, de paysages de rêve lavés à l'acide et de jeux de mots énigmatiques.

Le Ressuscité 1, 2013

Sans doute l'un des principaux artistes de Singapour, il a représenté Singapour à New York, Los Angeles, Glasgow, Melbourne, Japon, Malaisie, Hong Kong, Corée, Taïwan et Chine; et a collaboré avec d'énormes marques mondiales telles que Nike, Adidas, VANS, Sony et Reebok; avec des œuvres dans de nombreuses collections privées et musées du monde entier. Art Republik rattrape télépathiquement sa vedette vedette de «Jedi Master» qui fête ses deux ans (depuis qu'elle a fait partie de la série collective «Guardians of the Garden City» dans le numéro cinq, Art RepublikDu premier anniversaire de l’année) pour faire son choix sur la scène artistique singapourienne et ce qu’il fait de nos jours.

Vous avez eu des séjours dans de nombreux pays comme New York et Taiwan, qu'est-ce que ça fait d'être un artiste à Singapour? Que pensez-vous de la scène artistique singapourienne?

Être absent pendant près d'une décennie et rentrer chez moi pour installer mon studio a été un vrai voyage. J'ai réalisé que le gouvernement avait construit une immense serre pour développer la scène artistique singapourienne, dans l'une des villes les plus chères du monde.

Les choses se passent beaucoup plus organiquement dans les pays que j'ai montrés. Au cours de mes huit ans et demi à Taipei, ma carrière dans l'art s'est développée de manière organique, car j'ai été exposée aux forces du marché à mon entrée dans ce domaine de l'art. Je ne connaissais pas les vastes plans et infrastructures de financement de l’art offerts par le Conseil national des arts (CNA) aux artistes singapouriens lorsque j’étais à Taipei.

C'était difficile pour moi de me financer et de survivre en tant qu'artiste à plein temps, de gérer le loyer de mon studio, le coût du matériel et de s'inquiéter de divers aspects de la subsistance, mais je suppose que tout s'est passé pour une raison, et ces divers revers et expériences ont joué un participer à l'élaboration de ma pratique artistique.

À travers le feu, 2011

J'ai été sans revenu pendant deux ans lorsque j'étais à Taipei en préparation de ma première exposition solo, et après cette saison difficile, j'ai réalisé que rien ne pourrait empirer si je pouvais vivre cela. Lorsque vous devez survivre dans le monde sans aucun tube à essai, cela vous rend plus résilient et non seulement capable de survivre, mais aussi de prospérer.

Le système de subventions est excellent comme point de départ et un bon système de soutien pour les artistes afin de tirer parti des programmes pour atteindre de plus hauts sommets. Je pense qu'avec un bon système de soutien, l'artiste doit se réinventer et penser au-delà de notre public local et créer une prise de conscience et développer un suivi à l'étranger, et se tailler une niche. Le système de subventions est un moyen et non une fin. Il n'est pas bon que les artistes en dépendent trop. Plusieurs fois, même si le système de subventions a été créé pour aider les artistes à grandir, certains artistes en sont trop nourris pour que ce soutien entrave la croissance d'un artiste.

Une majorité d'artistes locaux ont peur lorsqu'ils quittent l'école et ne risquent pas d'être un artiste à temps plein. La plupart retournent dans leur zone de confort qui enseigne à l'école. Avec un travail de jour à plein temps en tant qu'éducateur, notre «artiste» local se met au clair de lune et crée de l'art à temps partiel. Je ne vois pas cela comme un signe sain, car les deux carrières sont compromises.

La créativité ne s'applique pas seulement aux œuvres d'art, mais c'est une approche holistique de la façon dont les artistes gèrent leurs pratiques artistiques. J'ai souvent été considéré comme un artiste commercial parce que je ne rentre pas dans le moule traditionnel d'être un artiste «pur» avec des concepts abstraits que seuls quelques privilégiés peuvent comprendre. Mon art est une expression réflexive de la société et de la culture consumériste dans lesquelles j'ai grandi. Le pop art, c'est-à-dire ce que j'ai tendance à classer comme mes œuvres, doit toucher les masses, simplifier les concepts abstraits de manière aimable et esthétique des formes agréables, que ce soit la peinture, la sculpture ou même la marchandise, que je considère parfois comme de l'art. Le fait différenciant est que je vais toujours créer et réaliser mes sculptures même si elles ne répondent pas aux besoins du marché. Je ne plierai pas mon concept ni mon style. Mon art et ce que veut le marché peuvent être parallèles, mais ils ne se rencontreront jamais.

C'est à cela que sert la culture pop; si vous aimez quelque chose, vous avez tendance à vouloir l'acheter, donc je suis confus par les artistes puristes qui décrivent mon art comme étant commercial, quand ils sont si superficiels pour juger l'art par son esthétique. Cela montre à quel point on peut être myope quand on passe une carrière entière à survivre dans une serre à l'abri des éléments. De grands maîtres comme Salvador Dali ont pris des commandes contemporaines et il a même conçu le logo Chupa Chups. Des grands comme Picasso, Gaudi et Andy Warhol avaient tous un pied dans le monde commercial car leur art est pertinent à l'époque. Cependant, cela semble être un concept difficile à saisir pour les conservateurs et les artistes ici à Singapour. Notre marché de l'art est assez jeune avec une croissance accélérée des infrastructures et des foires d'art.

Les arts sont un instrument clé du succès de Singapour pour devenir le premier pays du monde. La valeur intangible des arts est un élément crucial pour pousser les arts à projeter Singapour comme une ville mondiale développée.À Taïwan, la classe moyenne taïwanaise moyenne est prise en sandwich et elle a beaucoup plus de mal que les Singapouriens. Pourtant, la façon dont ils perçoivent l'art - cela fait partie de leur vie, se reflète dans leur expression personnelle, comment ils s'habillent, comment ils embellissent leur maison, leur quotidien - les Taïwanais embrassent et adoptent ce style de vie. Malheureusement, je pense qu'à Singapour, l'art n'a pas eu le temps de se développer organiquement; et cela pourrait prendre des décennies à construire.

Que manquons-nous à Singapour pour y parvenir?

Nous avons de superbes galeries et musées mais malheureusement, nous manquons de contenu et de logiciels pour remplir ces institutions. Le contenu ne remplit pas l'espace mais attire réellement le public qui veut voir les œuvres. Je pense qu'il y a de la place pour des conservateurs plus perspicaces qui connaissent le courant et qui ont du sens pour l'art local, et ayant plus de conservateurs étrangers de l'ouest pour donner une nouvelle perspective à notre art car il nous est difficile de nous voir d'un point de vue à la troisième personne de vue. Je pense aussi que nous avons besoin d'artistes expérimentés en tant qu'éducateurs capables de préparer les étudiants à une carrière d'artiste.

Quelle est l'impression de la scène artistique singapourienne à New York?

Je ne suis pas très sûr de ce qu'ils pensent mais la plupart des New-Yorkais pensent toujours que Singapour fait partie de la Chine…

PARITÉ STATIQUE (aperçu)

Parlez-nous de toutes vos collaborations les plus remarquables en tant qu'artiste.

Je pense que les collaborations sont toujours intéressantes car elles rassemblent artistes ou organisations pour créer quelque chose de nouveau. Je suppose que le plus intéressant pour moi était de travailler avec John 'CRASH' Matos dans le premier spectacle de street art graffiti institutionnalisé de Singapour, ce qui était assez pertinent car CRASH était l'un des membres fondateurs de cette forme d'art, et un pionnier du graffiti new-yorkais qui exposé aux côtés d'Andy Warhol, Jean-Michel Basquiat et Keith Haring. D'autres collaborations intéressantes ont été avec des marques commerciales comme Adidas, Vans et Reebok qui ont donné à mon art une plate-forme à montrer et à exprimer sur un tout autre support. J'ai eu ma première exposition solo à Pékin, parrainée par VANS, et j'étais heureux que les personnes qui ont regardé le spectacle n'étaient pas seulement des gens de la communauté artistique mais des jeunes qui normalement n'entreraient pas dans une galerie. Je crois toujours à l'art pour le grand public, et s'ils obtiennent mon concept dans une exposition, au moins ils y sont exposés.

Il semble y avoir une tendance croissante à ce que les artistes ne soient plus ceux qui créent réellement leurs œuvres. Au lieu de cela, ils viennent juste avec des idées, et ils ont d'autres personnes qui créent leurs œuvres, en particulier avec des œuvres sculpturales. En tant qu'artiste qui crée beaucoup de sculptures, qu'en pensez-vous? Voyez-vous cela comme un problème? Participez-vous également à ce processus? En même temps, racontez-nous votre démarche artistique.

Je suppose que le post-modernisme bat son plein ... la mort de la paternité. Je suis assez sur moi-même, faisant toutes mes peintures seules, ce qui explique ma faible productivité, car j'ai tendance à être obsessionnel compulsif avec mes peintures jusqu'à ce qu'elles soient finalement résolues. Avec mes sculptures, elles sont une extension de mon passe-temps chez les adolescentes pour fabriquer des jouets à l'échelle 1/6, et les compétences autodidactes que j'ai acquises puis la sculpture de têtes de figurines m'ont amené à créer mon art en 3D à partir de 2007 à Taipei. J'ai mis quatre mois à créer ma première sculpture de fille «Cherry Pop» grandeur nature, qui a commencé à partir d'une maquette. Récemment, je travaille davantage avec le métal et je passe le processus de coulée à une fonderie qui aide à fabriquer le moule et à couler les sculptures en bronze.

Parlez-nous de votre dernière série et de son contenu.

‘STATIC PARITY:’ est la série sur laquelle je travaille actuellement, et elle a été conceptualisée lors de ma résidence d'art à l'ESKFF chez MANA Contemporary.

"PARITÉ STATIQUE: GENÈSE": La quête de la vérité et de la connaissance par l'homme est toujours limitée à la taille de notre cerveau. L'univers est toujours dans un état de parité statique et d'égalité constante. La recherche de l'origine de l'homme se retrouve dans les textes religieux du judaïsme et du christianisme. Même avec la science moderne, il est impossible de créer la vie à partir de la non-vie, alors comment en sommes-nous devenus les humains? L'essence intérieure de l'homme est faite à partir d'une énergie spirituelle supérieure ainsi que de l'énergie dont le matériau s'est développé. La masse ne fait que couvrir matériellement cette énergie. En raison de sa puissance supérieure, le spirituel peut également affecter les énergies inférieures auxquelles appartient le matériau, et il peut le contrôler. Les gens qui ont atteint la perfection dans n'importe quelle sphère de la vie ont dit que tout est fait par lui-même.

De mon étude et interprétation d'Adam et Eve, j'essaie de créer leur aura spirituelle au moment où l'homme est tombé.

Crédits d'histoire

Texte par Marc Wong

Cet article a été initialement publié dans Art Republik