Expositions à Singapour: Hermès abrite la «résonance de la nature» de l'artiste Takashi Kuribayashi

La vitrine du magasin phare d'Hermès Singapour à Liat Towers présente la résonance de la nature de Takashi Kuribayashi jusqu'en mars 2017.

«La vérité réside dans des endroits invisibles. Une fois que vous êtes conscient qu'il y a un monde différent à l'abri des regards, vous vivrez d'une manière différente », explique l'artiste contemporain japonais Takashi Kuribayashi, qui nous rappelle le dilemme philosophique de la perception par rapport à la réalité, et que la vérité n'est qu'une question de perspective.

Pas étranger à Singapour, Kuribayashi a visité l'île ensoleillée pour la première fois en 2006 lorsqu'il a été invité à participer à la Biennale de Singapour et au précédent espace du troisième étage d'Hermès Singapour; le premier avec ‘Aquarium: j’ai l’impression d’être dans un bocal à poissons’ et le second avec ‘Hermès Column’, deux œuvres récemment commandées. Un an plus tard, en 2007, il est revenu pour suspendre un petit étang en plein air à l'entrée du Musée national de Singapour avec son œuvre intitulée «Kleine See» (Petit étang). Puis en 2015, il a créé son œuvre inoubliable et photogénique, «Trees», pour «Imaginarium - A Voyage of Big Ideas» du Singapore Art Museum (SAM), qui a été présentée au SAM au 8Q. De retour à nouveau, Kuribayashi a créé «Resonance of Nature» pour la vitrine du magasin phare d'Hermès Singapour à Liat Towers, qui sera exposée jusqu'en mars 2017.

Vue de l'installation de «Trees», au 8Q, Singapore Art Museum.

Art Republik rattrape la vedette de notre numéro pour en savoir plus sur les frontières, le hasard et Kuuki ga Shimaru.

Votre travail comporte souvent un commentaire critique sur la nature. Comment et quand est née votre relation avec la nature et l'environnement? Y a-t-il eu un moment clé pour vous?

Je suis né à Nagasaki, au Japon, et j'y ai vécu toute ma jeunesse. Et là où j'habitais, autour de ma maison et tout ce qui m'entourait étaient la nature - on pourrait même dire que la nature est devenue inévitablement comme un professeur pour moi. Ce qui est intéressant aussi, c'est que mon père était un photographe d'insectes, donc son studio était ouvert. J'étais constamment entourée par la nature en grandissant - elle est devenue naturellement une grande partie de moi.

Qu'est-ce qui vous intéresse dans la nature et l'environnement?

Comme vous le savez, les humains ne peuvent pas vivre par nous-mêmes mais pourtant nous craignons ce que la nature peut nous faire; au fil du temps, nous avons trouvé des moyens de «coexister» avec la nature. Les humains ont d'abord créé un mur pour se protéger de la nature; puis ils ont voulu se rapprocher pour s'intégrer à la nature et ont fait des parcs et des jardins; et maintenant les humains sont tellement développés et capables qu'ils veulent dépasser et perturber la nature. Avant, la nature était plus grande que les humains, mais maintenant, le développement humain est allé trop loin dans la mesure où nous détruisons la nature; pourtant, nous n'en sommes toujours pas conscients.

En tant qu'artiste, quels sont vos sentiments à l'égard de la prise de la nature et de sa mise dans une galerie artificielle et fermée? Le fait de le faire met-il davantage en valeur vos philosophies, vos messages et vos histoires que vous voulez raconter? Ou cette limite ou cette contradiction vous dérange-t-elle de quelque façon?

Pour en parler, il faut aussi parler de ce qu'est l'art. Un bon exemple de moi prenant la nature hors de sa place et la mettant dans un espace de galerie est une œuvre que j'ai réalisée pour une exposition au Singapore Art Museum en 2015 où j'ai littéralement pris un arbre entier et les ai mis dans des boîtes dans un espace clos.

Comme vous le savez, Singapour est très artificiel; même la plupart de la nature ici est créée d'une manière créée par l'homme. À Singapour, les gens essaient de contrôler la nature en créant des parcs ou en créant de l'espace pour autre chose, de sorte que l'arbre a déjà été enlevé et coupé pour un tel but, alors j'ai tout mis dans des boîtes en verre. C'est un travail très symbolique. Vous voyez cela comme un seul arbre, mais chaque boîte a créé un monde individuel et un nouveau cycle de vie pour chaque morceau de l'arbre. Ce que j'essaie de faire, c'est de faire réfléchir les gens et de les rendre conscients de ce qui se passe - c'est ce qu'est l'art; il devrait objectivement encourager les questions ou faire prendre conscience de quelque chose qui autrement ne le serait pas.

À l'intérieur de moi-même, il y a deux versions, deux Kuribayashis pour ainsi dire: l'un est un artiste et l'autre est un être humain. En tant qu'être humain, je veux protéger la nature, mais en tant qu'artiste, je veux mettre objectivement en lumière certaines vérités.

Vous pensez donc qu'être artiste et être humain sont séparés?

Imaginez un moment où vous êtes triste et où vous pleurez, et soudain, vous vous sentez comme si vous regardiez en vous regardant pleurer; cet autre côté ou cette autre vue est la vue de l'artiste.

Êtes-vous une personne spirituelle? Avez-vous une forte relation avec la spiritualité que vous traduisez dans votre travail?

Non, je ne suis pas. Pour moi, être artiste c'est juste me remettre en question, questionner le monde, questionner les choses… une question importante est: qui suis-je? La plupart des gens se demandent que grandir jusqu'à peut-être leur adolescence, mais en tant qu'artiste, je continue de me le demander même jusqu'à l'âge adulte. Alors maintenant, ce que vous devez penser, c'est: je suis ici, j'existe ici. Et vous êtes ici en ce moment, mais sur la base des personnes que vous avez rencontrées dans le passé. La relation devient très importante - vous êtes créé par le passé.Cela peut sembler spirituel, mais ce n'est pas le cas. Cela dit, je crois que quiconque croit fermement à sa religion respective, cet aspect à son sujet n'est pas trop différent de moi.

Vous êtes actuellement basé à Yogyakarta, en Indonésie. Pourquoi avez-vous choisi de vous y installer?

Vous allez dire à nouveau que c'est spirituel mais dans ma vie, j'ai toujours fait confiance à mon intuition ou à mes sentiments intestinaux. J'étais auparavant au Japon pendant huit ans, et avant cela 12 ans en Allemagne. Et puis comme vous le savez en mars 2011 (nous appelons le 311), ce fut la catastrophe nucléaire de Fukushima Daiichi. A cette époque, je pensais à nouveau quitter le Japon, mais l'incident de Fukushima s'est produit, et j'ai senti que je devrais rester au Japon; alors je suis resté deux ans et tant de choses inattendues se sont produites au cours de ces deux années.

Après cela, j'ai pensé que je devrais sortir et vivre à nouveau en dehors du Japon. Je pensais au Brésil au début parce que j'y ai beaucoup d'amis et j'aime la scène artistique brésilienne. J'ai donc commencé à chercher à déménager au Brésil, mais tout d'un coup, les gens autour de moi ont commencé à dire que je devrais plutôt déménager en Indonésie; à l'époque, je ne connaissais pas grand-chose à l'Indonésie. Puis, comme je me suis intéressé à en savoir plus, les gens ont commencé à dire Yogyakarta, et je ne cherchais même pas cela. Puis un collectionneur indonésien m'appelle pour présenter des œuvres à Yogyakarta. Une autre chose est que je surfe, et un de mes amis surfeurs m'a dit à l'improviste qu'il y avait un point à Yogyakarta appelé Pacitan pour les surfeurs. Encore une fois, j'entends maintenant Yogyakarta de presque tout le monde autour de moi. C'est à ce moment que j'ai été convaincu que mon prochain déménagement devait être à Yogyakarta. J'y habite depuis trois ans maintenant.

Comment l'incident de Fukushima vous a-t-il affecté personnellement et en tant qu'artiste?

Œuvre de la série «Yatai Trip Project»

Le tremblement de terre s'est donc produit le 11 mars 2011, et j'étais au Népal dans les montagnes pour travailler sur mon «projet de voyage Yatai» jusqu'au 10 mars 2011. Donc, le 10 mars, à 4000 mètres d'altitude, poussant mon chariot de nourriture Yatai, j'étais je me dis simplement que nous n'avons en fait pas besoin d'énergie pour vivre. Et puis en descendant et en revenant à Tokyo, l'incident s'est produit. Et j'étais de retour dans la ville de Tokyo, portant toujours tous mes sacs à dos et mon équipement et tout le monde me regardait en pensant que j'étais tellement préparé mais en fait je reviens!

Donc pour moi, c'était une chance de changement. En tant qu'être humain à nouveau, j'avais peur et je devais m'éloigner; mais en tant qu'artiste, c'était une chance d'en faire quelque chose. Comme vous le savez, mon thème est les frontières, et le gouvernement japonais a créé une zone restreinte de 20 kilomètres loin de la centrale nucléaire, comme frontière. Aujourd'hui, les centrales nucléaires japonaises sont toutes construites près des côtes car elles nécessitent beaucoup d'eau. Alors, alors que la frontière peut s'étendre sur terre, comment créer une frontière dans l'océan? Vous ne pouvez pas simplement tracer une ligne. Donc, en tant qu’artiste, je pensais, alors que les médias se concentraient sur la frontière terrestre de 20 kilomètres, je surfais (oui, illégalement) dans la «zone réglementée» et mettais en évidence le danger et les dommages non ressentis ou «invisibles».

Bien sûr, j'ai consulté des spécialistes et chacun m'a découragé de le faire, disant que c'était trop dangereux. Mais le problème avec le plutonium est qu'il est relativement sûr de boire, mais de ne pas respirer là où il endommagera gravement vos poumons. Donc, si j'ai vraiment insisté pour surfer dans les eaux restreintes, je devais porter une combinaison de protection avec un masque de filtration d'air.

De loin, on dirait que quelqu'un surfe dans de belles eaux. Mais si vous regardez attentivement, cette personne porte une combinaison de plongée spéciale et un masque de protection. C’est l’impact de la prise de conscience du message que j’essaie de transmettre. En tant qu'artistes, je pense qu'il est de notre responsabilité de rapporter les messages, presque comme si nous étions nous-mêmes nos propres médias.

Takashi Kuribayashi, surfant à Fukushima.

Vous travaillez avec Hermès depuis 10 ans maintenant. Qu'aimez-vous le plus dans votre collaboration avec la marque?

Hermès a le plus haut niveau et la plus haute qualité sur eux et leurs produits, et quand incorporé avec ou dans mon travail, il dégage un sentiment de… il y a un mot japonais pour cela: Kuuki ga Shimaru. Cela se traduit directement par un resserrement de l'air, ou pas si littéralement, redresse votre dos. C'est un mot très unique qui serait également utilisé, par exemple, lorsque vous voyez un miroir en verre au lieu d'un miroir en acrylique, votre sens peut ressentir la différence apparemment invisible mais évidente.

Pouvez-vous nous en dire plus sur votre dernier travail avec Hermès Singapour, «Resonance of Nature», pour leur vitrine?

La foudre est l’aspect le plus important de la «résonance de la nature». Je veux montrer l'énergie et la puissance de la nature tout autour de nous, donc la foudre est la meilleure représentation qui relie l'air au sol et en dessous. En même temps, ce pouvoir est présent, peu importe la toile de fond, peu importe le temps; il peut être enneigé au Japon et ensoleillé à Singapour, mais cette énergie et cette puissance sont les mêmes. Par conséquent, la foudre dans mes œuvres d'art relie tout ensemble - la nature est connectée partout.

De plus, l'arrière-plan de l'écran est composé de photos clés: le ciel vient de Fukushima, au-dessus de la centrale nucléaire; le bord de mer provient des conséquences du tsunami; et le flanc de la montagne est du Népal, où j'étais jusqu'à la veille de l'incident. Cela montre en outre la connexion et l'importance du temps, que même si ce n'est qu'une différence d'un jour, la nature avait le pouvoir de changer les choses.

Gardez-vous à l'esprit la philosophie d'Hermès lors de la conceptualisation de leurs vitrines? Ou est-ce quelque chose qui se produit par hasard, le cas échéant?

Parmi toutes les autres marques de mode aujourd'hui, Hermès a réussi à se maintenir dans une position unique. Nous sommes actuellement au milieu de la culture de la consommation et de nombreuses autres marques ont ouvert une gamme moins chère pour rester compétitives. Mais si les ventes d'Hermès diminuent, créeraient-elles également une gamme plus abordable? La réponse est non, ils resteront fidèles à leurs valeurs et à leur ADN. Et je crois que les vitrines d'exposition sont des visages d'une marque, donc la seule chose que je garde à l'esprit est de maintenir cette norme et ces perspectives lorsque je pense à mon travail pour elles.

Si vous n'étiez pas artiste, que seriez-vous?

Je ne crois pas qu'être artiste est une occupation; c'est juste une façon de vivre, une façon de s'exprimer. Et ce que je suis, c'est simplement Takashi Kuribayashi.

Takashi Kuribayashi: «Pour moi, être artiste, c'est juste me remettre en question, questionner le monde, remettre en question les choses…»

Quelle est la prochaine étape pour vous?

L'année à venir me lancera en tant que scénographe, rejoignant la performance intitulée «The World Conference», mise en scène par le metteur en scène Hiroshi Koike. Ensuite, je présenterai mon travail au Zushi Beach Film Festival, au Japan Alps Art Festival et aux expositions de groupe à Yogyakarta. En plus de cela, je continuerai mon «projet de voyage Yatai», et je pense également à faire des voyages de recherche à travers le Japon pour développer de nouvelles idées pour de nouvelles œuvres.

Cet article a été publié pour la première fois dans Art Republik.