Expositions d'art à Singapour: Intersections Gallery présente «Burning Landscapes» et «Beyond the Surface»

Hanibal Srouji, ‘Dusk’, 2016, feu, acrylique, toile, 75 centimètres. Image reproduite avec l'aimable autorisation de la galerie Intersections

Depuis 2012, la galerie Intersections a tranquillement construit un répertoire croissant d'art de qualité et un engagement profond à nourrir les artistes. Les expositions à venir de la galerie «Burning Landscapes» du 17 mars au 30 avril et «Beyond The Surface» du 3 mai au 18 juin, présentent des collaborations qui créent un dialogue entre l'encre de Chine, la peinture occidentale, la vidéo, les installations et la céramique.

Brûler des paysages

Souvent considérées comme une force impitoyable et destructrice, les œuvres d'art de «Burning Landscapes» transmutent le feu en une force vivifiante qui a un élément esthétique de beauté, un médium créatif qui équilibre le yin et le yang, et une expression de sérénité et de positivité. L'exposition présente les déclarations artistiques de liberté de deux artistes libanais français, Tania Nasr et Hanibal Srouji. Nasr et Srouji ont été forcés de fuir la guerre civile au Liban, qui a duré de 1975 à 1990, et les œuvres en céramique de Nasr, avec les peintures et l'installation de Srouji, parlent de géographies mémorisées et découvertes ainsi que de paysages émotionnels intimes.

L'artiste libanaise française Tania Nasr. Image reproduite avec l'aimable autorisation de la galerie Intersections

Lors de leur rencontre en 2014, les deux artistes ont immédiatement vu une synergie entre leurs processus créatifs et le rôle de l'art au-delà de la simple expression de soi et comme l'articulation d'une vision plus large et globale de l'art et de la création artistique.

Unis par le feu, la forme circulaire du peintre dans la série «Tondos» de Srouji répond à la forme et à l’intention des œuvres céramiques sphériques de Nasr. Srouji voit les formes circulaires comme «des ouvertures de l'âme d'où nous pouvons regarder au-delà» et recommence à rêver et à espérer. C'est avec cette vision partagée des œuvres d'art qui véhiculent la paix et l'optimisme que leur collaboration s'est déroulée harmonieusement. Chaque artiste faisait intuitivement écho à l'autre dans des échanges qui dépassaient le langage; comment une couleur directement appliquée sur la toile fait écho à la sensualité des mains travaillant sur l'argile.

L'artiste libanais français Hanibal Srouji. Image reproduite avec l'aimable autorisation de la galerie Intersections

Ils expriment tous les deux, à travers leurs médiums respectifs, un moyen de transcender la brutalité rapide de la destruction par le feu, en prenant leur temps pour cajoler une expression sublime de la création et de la résilience. Là où le feu fait naître la céramique de Nasr avec forme et couleur, Srouji marque la toile avec une traînée de feu provenant d'un chalumeau. Si le feu peut être considéré comme de l'énergie pure, alors son potentiel de construction ou d'anéantissement réside dans les choix que l'humanité fait.

Les bandes de toile flottant librement qui composent la série «Healing Bands» de Srouji et la céramique de Nasr ont un «flux horizontal» car les pièces fonctionnent ensemble comme une seule; une allégorie de la force de l’humanité dans l’unité. Nasr et Srouji nous rappellent comment l'art peut célébrer la lumière et nous offrir un espace méditatif pour guérir et élever notre existence.

Tania Nasr, «By the sea», 2015, mélange d'argile, de glaçure transparente, de bleu cobalt, 18 x 15 x 117 centimètres. Image reproduite avec l'aimable autorisation de la galerie Intersections

Au-delà de la surface

Explorant le corps humain en tant que dépositaire de souvenirs, ‘Beyond the Surface’ utilise des peintures à l’encre de Chine, des vidéos, des sculptures, des installations et des arts conceptuels pour plonger dans le subconscient. Cette nouvelle série d'Hélène Le Chatelier illustre les paysages internes qui émergent lorsque nous nous enfonçons dans la sagesse de notre corps; révélant la multiplicité de nos faiblesses et forces, l'ego et la peur, l'amour et les ombres. Remettant en question les intimités de notre temps, ses œuvres d'art offrent un espace d'introspection, afin que chacun puisse découvrir l'immensité de son être intérieur secret. Ici, Le Chatelier observe notre sentiment d'unité face à la métamorphose de notre intériorité et de notre relation avec notre corps.

Hélène Le Chatelier, ‘Internal Landscape 13’, 2017. Image reproduite avec l'aimable autorisation de Intersections Gallery

Pour refléter le flou des frontières entre la peau et l'écran à l'ère des médias sociaux, cette exposition marque la première fois que Le Chatelier présentera de la vidéo dans le cadre d'une installation. Elle explique: «Chaque média me permet d'explorer un aspect différent d'un même concept. C’est comme tirer différentes cordes d’une même pelote de laine ». En collaboration avec le danseur Butoh Syv Bruzeau, la vidéo nous invite à écouter l'obscurité et les nuances de notre corps. Le Chatelier a également collaboré avec Virgile Viasnoff, un scientifique et chercheur, pour inclure des images de cellules réagissant à leur environnement. Face à la surexposition des médias sociaux, la vidéo ramène les gens dans l'espace de leur monde intérieur.

La complexité de soi est un composite d'expériences personnelles et est personnifiée par la sculpture Le Chatelier créée pour cette exposition. Des couches extérieures de journaux représentant des événements quotidiens sont recouvertes de couches d'encre, reflétant nos façades sociales, tandis que le cœur est un message caché et un noyau intérieur d'argile. Le Chatelier compare cela à l'amour d'être une acceptation de l'inconnu dans nos relations les plus profondes.

Artiste française Hélène Le Chatelier. Image reproduite avec l'aimable autorisation de la galerie Intersections

L'émission de Le Chatelier interroge la dichotomie entre la liberté des données et l'intimité discutable, ainsi que la volatilité des liens humains et la connexion avec soi. La condition humaine peut sembler durable, alors qu'elle est en fait en constante transformation et donc transitionnelle et éphémère.

Cet article est écrit par Pamela Ng et a été initialement publié dans Art Republik 14.