STPI apporte Do Ho Suh et Aquilizans à Art Basel Hong Kong

Alfredo & Isabel Aquilizan, ‘Vessel after Crossings: Project Another Country I, 2017’, pâte à papier avec sérigraphie sur papier lin, 144 x 349 cm. Image courtoisie STPI - Creative Workshop & Gallery.

La négociation de l'identité et du sentiment d'appartenance au monde est à bien des égards la condition perpétuelle de l'homme. Nous regardons à l'intérieur à la recherche d'une propriété unique de soi, et des relations et des environnements accidentels dans lesquels l'individualité est impliquée. Cette propriété est souvent incorporée dans le concept de maison. C'est un lieu physico-psychologique qui ne peut exister que sur les deux plans; pour emprunter librement le terme du géographe J. Nicholas Entrikin, la maison est «l’interdépendance de l’espace» ou le point de rencontre de deux espaces qui ne peuvent pas être séparés.

Le lieu et son droit sont devenus l'une des plus grandes lignes de fracture de la politique internationale à mesure que les débats sur l'immigration, le statut de réfugié et les identités marginales ont éclaté au cours de l'année écoulée. À une époque où le concept de maison - avoir un endroit sûr auquel on appartient - n'a apparemment jamais été plus contesté ou convoité, il a donné une signification renouvelée au travail de l'artiste coréen Do Ho Suh.

Do Ho Suh, «Blue Print (Multi Color)», 2013, dessin au fil incorporé sur du papier de coton fait main STPI, 131,5 x 168 cm. Image reproduite avec l'aimable autorisation de Do Ho Suh et STPI - Creative Workshop & Gallery.

Do est né en 1962 en Corée du Sud et a grandi au milieu de son expansion économique sous la direction autoritaire de Park Chung Hee. Déménageant aux États-Unis à vingt-neuf ans pour étudier l'art à la Rhode Island School of Design, le sens aigu du déplacement a catalysé une remise en question de son identité et de ses racines. C'est une ligne de réflexion résolue qui a conduit à des œuvres qui sont de puissantes articulations du lieu, de la dislocation, de la mémoire et de l'appartenance.

Les sculptures en tissu de ses maisons et espaces de travail passés et présents, pour lesquels il est le plus connu, sont d'une beauté saisissante. Pourtant, bien qu'il s'agisse de modèles à l'échelle un à un, ils sont moins des répliques habitables que des traces transcendantales de temps et de lieu. Utilisez du tissu translucide coloré pour les structures les imprègne d'une tension étrange. Ils oscillent entre mélancolique et sanguine, monumentalité et fragilité.

Dans le sens où ce sont des sculptures qui obligent à entrer, ou évoquent une entrée et une occupation psychologiques, ces sculptures peuvent être plus précisément décrites comme des seuils. "Je suis intéressé par l'espace portable, je veux emporter ce truc avec moi", a déclaré Do à propos de sa motivation. Ses œuvres n'incarnent pas seulement le déplacement entre des lieux qui marquent le passage de la vie; ils sont des souvenirs de notre capacité à percevoir les endroits où nous entrons uniquement par rapport à ceux d'où nous sommes entrés.

Do Ho Suh, «Myselves», 2014, dessin au fil incorporé sur du papier de coton fait main STPI, 168 x 132,5 cm. Image reproduite avec l'aimable autorisation de Do Ho Suh et STPI - Creative Workshop & Gallery.

Ces dernières années, Do a accueilli des médiums bidimensionnels dans sa pratique, créant des dessins au fil, des frottements, des lithographies et des cyanotypes. Ces œuvres ont été développées à partir de deux résidences d'artistes avec le Singapore Tyler Print Institute (STPI), en 2010 et 2015. Spécialiste de l'impression et de la fabrication du papier, STPI est connu pour sa relation de collaboration étroite avec les artistes. Ses résidences d'artistes ont souvent fait germer des techniques expérimentales et des œuvres inattendues qui ont introduit de nouvelles façons de voir la pratique d'un artiste, et le cas de Do ne fait pas exception.

Pour Do, le passage à la sculpture et au papier à partir de la sculpture est une sorte de traduction inverse. En effet, ses dessins au fil commencent souvent comme des modèles tridimensionnels: des morceaux de papier gélatine sont cousus ensemble avant d'être dissous dans du papier frais et frais, laissant des traces de fil. Contrairement à la précision et au détail scrupuleux de ses sculptures, ces dessins au fil sont, en comparaison, sans entraves et exubérants. L'enchevêtrement presque maniaque et la répétition des formes de fil suggèrent une étreinte d'imagination enfantine et libre. La découverte de cette liberté retrouvée, née de sa résidence en 2010, a été si profonde pour Do qu'il est retourné au STPI en 2015 pour continuer à développer le médium.

La deuxième résidence a vu Do explorer une autre traduction de ses œuvres en trois dimensions dans le bidimensionnel. Travaillant avec ses plus petites sculptures des objets du quotidien qu'il a rencontrés comme des ampoules, un extincteur et un réveil, il les a exposés directement sur du papier photosensible. Les cyanotypes qui en résultent sont encore plus saisissants que ses sculptures; sans couleur, ils deviennent des traces fantômes d'une trace, une image de type radiographique où la matière est rendue nulle et l'espace s'effondre. "" Je pense que finalement je cherche quelque chose d'intangible ", dit Do," pour voir quelque chose que je ne peux pas voir ... une sorte de résidu. "

Un autre corpus de travaux développé par Do est une série de frottements tridimensionnels d'articles domestiques ordinaires comme des poignées de porte et des interrupteurs. Réalisés en papier et pastels, les frottements sont montés au mur à la manière de peintures.Ils bouclent la boucle de ses explorations artistiques comme une forme de dessin intuitif de l’espace, que Do a depuis développé pour enregistrer tout son appartement à New York dans «Rubbing / Loving» (2016). Alors que ses sculptures en tissu précédentes évoquaient l'idée de la maison comme un espace psychologique suspendu entre le matériau et l'immatériel, les frottements sont une relique physique directe de la maison, avec toute sa saleté et sa poussière capturées in situ.

Do Ho Suh, «Toilet Bowl-04», Appartement A, 348 West 22nd Street, New York, NY 10011, États-Unis, 2016, cyanotype sur papier Saunders 638g, 139 x 106 cm. Image reproduite avec l'aimable autorisation de Do Ho Suh et STPI - Creative Workshop & Gallery.

En tant qu'œuvres en deux dimensions, les dessins de fils et les cyanotypes peuvent être considérés comme la réalisation ultime du désir de Do pour des espaces portables. Ils sont certainement beaucoup plus faciles à transporter et plus intimes dans leur imperfection. Vu à côté de ses pièces sculpturales en tissu et en papier cependant, le travail de Do est un rappel que peut-être «maison» ne peut jamais être capturé dans son intégralité. Sa beauté réside dans le déplacement entre les deux, traversant l'espace physique et la demeure psychologique.

Faites Ho Suh en studio. Image courtoisie STPI - Creative Workshop & Gallery.

Plusieurs des dessins au fil de Do seront exposés sur le stand de STPI au prochain Art Basel Hong Kong du 29 au 31 mars, et pour compléter les œuvres de Do, une sélection d'œuvres de Brisbane et du duo d'artistes d'installation basé à Manille, Alfredo et Isabel Aquilizan. À l'instar de Do, les Aquilizans ont constamment exploré l'idée de la maison, de l'identité et de la mémoire collective en relation avec le déplacement culturel (en particulier, leur propre migration auto-imposée vers l'Australie en 2006) et les bouleversements sociaux. Beaucoup de leurs travaux sont des examens tranquillement provocateurs et poignants de l'impact des mouvements forcés ou de la dépossession dans les communautés privées de leurs droits. Les œuvres phares comprennent «Wings» (2009), des sculptures d'ailes d'ange faites à partir des pantoufles des détenus d'un établissement correctionnel de Singapour et «In-Habit: Project Another Country» (2012), une installation à grande échelle inspirée par les habitations fragiles et l'existence itinérante du peuple marginalisé de Badjao dans le sud-ouest des Philippines.

Alfredo & Isabel Aquilizan, «Dwellings after In-Habit: Project Another Country IV, 2017», collagraphie, imprimé à partir de carton compressé sur du papier Saunders de 638 g, 141 x 133,5 x 2,5 cm. Image courtoisie STPI - Creative Workshop & Gallery.

Ce qui sera présenté à Art Basel Hong Kong est en fait une réinterprétation de «In Habit». À l'origine un travail de collaboration qui a fait le tour de l'Australie et du Japon et a invité les visiteurs à compléter l'installation en construisant de petites habitations en carton, les Aquilizans ont réutilisé le carton pour créer des collographies et des sérigraphies évocatrices méticuleusement décrites à la main avec de la pâte de carton. Présentés pour la première fois lors de leur exposition révolutionnaire de 2017 organisée par STPI intitulée «Of Fragments and Impressions», ils seront présentés dans la section spéciale organisée par Kabinett de la foire. L'œuvre transformée est une expression encore plus frappante de dislocation et de fragmentation communautaire que l'original. Littéralement écrasés et aplatis, ils font écho aux sites bombardés et aux traces de saleté qui rappellent à la fois la fragilité de la maison et sa vulnérabilité.

Cet article a été écrit par Rachel Ng pour Art Republik 18.

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