Interview: l'artiste Jane Lee
L'artiste singapourienne Jane Lee est connue pour son travail novateur en peinture. Elle tourne continuellement le médium traditionnel sur sa tête, explorant de nouvelles possibilités en présentant des peintures comme des œuvres d'art sans restriction par les limites de la toile.
Pour sa résidence récemment achevée au Singapore Tyler Print Institute (STPI), Jane a pris une pause dans la peinture en faveur d'expérimenter avec d'autres médias et a créé un nouvel ensemble d'œuvres qui surprendra et ravira le public familier avec ses œuvres passées.
Art Republik s'assoit avec Jane pour en savoir plus sur son amour pour la peinture, l'évolution de son travail au fil des ans et son spectacle «Freely Freely» au STPI, qui se déroulera pendant la Singapore Art Week plus tôt cette année.
Statut, 2009
Comment votre travail a-t-il évolué au fil des ans? Qu'est-ce qui change votre travail d'une pièce à l'autre?
Je ne savais pas que je deviendrais un artiste à plein temps; J'avais voulu devenir créatrice de mode. Bref, j'ai commencé par la peinture. L'idée de la peinture est que c'est un objet en deux dimensions sur le mur mais j'ai progressivement vu ma peinture comme des installations. Pour moi, le mur sur lequel le tableau est monté fait partie de l'œuvre car tout ce qui l'entoure interagit avec lui.
Qu'est-ce qui fait de la peinture un médium aussi convaincant pour travailler?
J'aime la couleur et j'aime la sensation de jouer avec la peinture. Même l'odeur de la peinture me plaît. Il y a environ 10 ans, quand je suis devenu sérieux au sujet de la peinture, j'ai commencé à me demander quelle était l'essence de la peinture. Je me suis demandé s'il y avait d'autres façons de faire des peintures et j'ai regardé le processus et les techniques traditionnelles qui entraient dans la fabrication d'une peinture. C'est ainsi que j'ai commencé à jouer avec le médium.
Oiseaux en cage, 2015
Pourriez-vous nous guider à travers le processus de création d'une œuvre d'art, du concept à l'exécution?
Je suis vraiment une personne pratique. Quand j'ai commencé à peindre de façon traditionnelle, j'ai beaucoup planifié et je m'asseyais et créais des compositions pour mes œuvres. Tout cela a changé en 1999, quand je suis allé à Londres pour en savoir plus sur l'art contemporain. J'ai assisté à un atelier où le conférencier a jeté de la peinture sur du papier par terre et a demandé à la classe de jouer. Cela m'a ouvert les yeux. Et c'est devenu ce que je voulais faire. J'avais réalisé que lorsque j'aurais tout planifié, il n'y aurait vraiment plus de vie dans le travail. J'ai commencé à aller plus avec mon instinct et à jouer.
Comment savez-vous qu'une œuvre est terminée?
Je suppose qu'une œuvre d'art ne peut jamais vraiment être terminée. Si une œuvre me parle, c'est fait. C'est plus émotionnel qu'intellectuel. Je parle beaucoup à ma peinture. Il s'agit d'un processus interactif. Les peintures sont en quelque sorte vivantes même si elles ne parlent pas. Ils ont certaines tendances. Il y a une sorte de négociation entre l'artiste et l'œuvre en train de faire de l'art.
Libère-moi VI, 2015
Comment procédez-vous pour choisir les outils que vous utilisez pour réaliser vos œuvres?
Traditionnellement, les peintures sont réalisées à l'aide de pinceaux et racontent le plus souvent une histoire. Je trouve des outils de ma vie quotidienne, comme des ustensiles de cuisine, pour faire mon art.
Pourriez-vous nous guider à travers le processus de création d'une œuvre d'art?
Eh bien, le matin, quand j'arrive dans mon studio, je me sens peut-être assez heureux et je veux utiliser du rouge vif, mais au fur et à mesure que la journée avance, et peut-être que j'écoute des chansons, mon humeur peut changer, puis ma peinture peut devenir un peu sombre. Je n'aime pas forcer quoi que ce soit à se produire. D'une certaine manière, le développement d'une œuvre dépend de ce que je ressens un jour particulier.
Combien de temps vous faut-il pour terminer une œuvre d'art?
Pour les gros travaux, cela peut prendre de six mois à un an. Parfois, je travaille sur une pièce, puis à mi-parcours, il n'y a pas de flux d'énergie, donc je la mettrais de côté pour le moment et j'y reviendrais plus tard.
Coiling VI, 2015
Jetez-vous des œuvres?
Beaucoup.
Comment décidez-vous quoi garder?
Tu sais juste.
Le processus de création de votre œuvre est-il plus important que l'apparence du produit final?
Je dirais que s'il est sur 100%, le processus compte pour 80% et le produit final compte pour 20%.
Voulez-vous que les gens soient curieux de connaître le processus?
Bien sûr. Ce serait formidable de regarder au-delà de la surface et des couleurs. Je veux leur faire poser plus de questions sur la peinture en tant que médium et sur le processus de fabrication d'une peinture.
100 visages, 2014
Pourriez-vous nous parler de votre quotidien d'artiste?
Je commence ma journée par le yoga et la méditation. C'est important de me garder plus en phase avec moi-même. Ensuite, je vais dans mon studio et je commence à travailler. La façon dont je travaille dépend des délais dont je dispose. Si je suis pressé et que je dois travailler de manière très intensive, disons pour une exposition solo, je refuserais alors de retourner au studio après assez longtemps. Cela dit, mon esprit réfléchit toujours, regardant autour de moi, cherchant l'inspiration de ma vie quotidienne, que ce soit lors d'une promenade matinale ou lors d'une conversation avec quelqu'un.
Cherchez-vous l'inspiration d'aller au musée ou d'assister à d'autres expositions d'artistes?
En fait, j’évite de voir trop d’œuvres d’autres artistes. Si vous voyez trop, parfois certaines choses que j'aime s'infiltrent inconsciemment dans mon travail. La vie quotidienne est ma source d'inspiration, que ce soit lors d'une promenade matinale ou lors d'une conversation avec quelqu'un. Les choses que je vois autour de moi, ce que les gens disent - ce sont les petites choses qui sont mes sources d'inspiration.
Aviez-vous des artistes que vous regardiez lorsque vous avez commencé?
Ce serait Robert Ryman. Ce qui le fascine, c'est qu'il n'est pas peintre de formation. Je pense que parce qu'il n'a pas le fardeau de savoir ce qu'un peintre doit faire, il est en mesure de proposer ses œuvres d'art rafraîchissantes.
Éveil, 2015
Mais pensez-vous qu'il est important d'apprendre d'abord les bases?
Je pense que les connaissances fondamentales peuvent bien servir un peintre en fournissant un savoir-faire technique, comme le mélange de couleurs. Cependant, une fois ces compétences acquises, ce n'est probablement que lorsqu'elles sont abandonnées que quelque chose de nouveau peut être créé.
Qu'est-ce qui vient en premier: les titres de vos tableaux ou les tableaux eux-mêmes? Comment les titres, tels que «Status» (2009) qui fait partie de la collection permanente du Singapore Art Museum ou «100 Faces» (2014), présentés lors de votre exposition personnelle à la Sundaram Tagore Gallery, Singapour, fonctionnent-ils avec vos peintures pour communiquer avec le public?
Avec ‘Status’, je questionnais le statut de la peinture. Un des commissaires de la Biennale de Singapour m'a dit que je serais le seul peintre à exposer. Cette conversation est restée avec moi. J'ai trouvé surprenant qu'il y ait si peu de peintres sur la scène artistique lorsque la plupart des artistes ont probablement commencé leur formation de peintre. J'ai alors pensé que peut-être la peinture en tant que médium était morte et qu'il n'y avait plus de place pour jouer. L'œuvre est une exploration de l'état de la peinture sur la scène de l'art contemporain régional.
Avec «100 visages», je me souviens avoir pensé que les gens étaient désireux de montrer de grandes peintures très lourdes. J'ai décidé de décomposer mon travail en une centaine de pièces plus petites et moins lourdes qui pourraient être rassemblées dans une grande peinture. De plus, c'était aussi un commentaire sur la façon dont une peinture pouvait avoir plusieurs visages, ou qu'il pouvait y avoir de nombreuses façons de créer une peinture, et en outre que les gens avaient des personnages différents qui émergent en compagnie de différentes personnes.
Partagez-vous ces histoires sur la création de ces œuvres avec le grand public?
Normalement, je ne partagerais pas, mais si les gens demandaient, je serais heureux de le faire. Je ne veux pas trop imposer au spectateur et dicter ce qu'il voit dans les oeuvres.
Juste un instant, 2015
Parlons de vos nouvelles œuvres au STPI, qui ne sont pas axées sur les peintures. C’est une nouvelle direction pour vous. Est-ce une décision consciente?
Je voulais quitter la peinture depuis un moment, mais je n'avais trouvé aucune excuse pour le faire. J'ai pensé que ce serait une bonne occasion d'explorer tout sauf la peinture, et de faire bon usage des installations de STPI. C'était le bon moment que j'ai été invité à ce moment.
Pourquoi le titre «Librement, librement»?
Je voulais un titre positif pour l'émission. Mon approche pour créer mon art est heureuse. Être pris au piège et être libre sont deux thèmes de l'exposition. Avec la série «Coiling», par exemple, le processus de bobinage du papier peut donner l’impression d’être piégé. Les broches dans les bobines donnent une expression visuelle plus forte d'être piégé. Sur certaines œuvres, il y a des oiseaux assis sur les broches, qui pourraient être considérés comme des symboles de liberté.
Mis à part les travaux sur papier, vous avez également travaillé avec l'acrylique dans le spectacle. Comment est-ce arrivé?
L'équipe de STPI est très ouverte aux idées. J'ai décidé d'expérimenter librement et j'ai inclus de la vidéo et de l'animation, ainsi que du papier combiné avec d'autres médiums, comme du papier avec du son et du papier avec de l'acrylique.
Comment l'équipe de STPI a-t-elle poussé votre pratique artistique?
Pendant la majeure partie de ma carrière, j'ai travaillé seul dans mon studio. Souvent, quand j'ai ces petites idées folles, si c'est moi seul, ce serait difficile et cela peut prendre plus de temps et je ne m'y mets pas à travailler. Travailler ici à STPI m'a fait sortir de ma zone de confort. L'équipe compétente de personnes ici m'a aidé à réfléchir et à voir les possibilités, et mes idées pourraient être réalisées en très peu de temps.
Pensez-vous qu'après ce spectacle, vous aborderez votre pratique différemment?
Je suis peintre dans l'âme et il y a encore de la place pour jouer avec la peinture. Quant à savoir quel genre de peinture et si elle sera similaire à ce que j'ai fait, je ne suis pas sûr. Ce que j'ai découvert ici au STPI aurait certainement un certain impact, mais je ne peux vraiment pas répondre pour l'instant à ce que je ferais. J'aime l'idée de ne pas savoir. Si je le savais déjà, je ne le ferais pas. Je veux exciter et ravir le spectateur, mais pour ce faire, je dois d'abord le faire moi-même.
Crédits d'histoire
Texte par Nadya Wang
Cet article a été initialement publié dans Art Republik.
Images gracieuseté de STPI
