Caractéristique: King of Pop Andy Warhol
Andy Warhol était une figure de proue du mouvement pop art, qui a dominé la scène de l'art contemporain à partir des années 1960. Son héritage perdure. En 2012, le Metropolitan Museum of Art a organisé l’exposition ‘Regarding Warhol: Sixty Artists, Fifty Years’, présentant 45 œuvres de Warhol et 100 œuvres de 60 autres artistes créées en réponse ou influencées par ses œuvres. Des œuvres de Jean-Michel Basquiat à Ai Weiwei ont été exposées, qui couvraient toute la gamme des médias, des peintures aux photographies.
Ce n’est pas seulement dans le domaine des beaux-arts que l’influence de Warhol est importante. En 2014, Diane von Furstenberg a travaillé avec la Fondation Andy Warhol pour les arts visuels pour créer une collection capsule célébrant 40 ans de ses robes portefeuille emblématiques avec des imprimés des œuvres de Warhol, comme la série 'Flower', qu'il a commencée en 1964. Plus tôt en 2013, Prada avait utilisé la même série de motifs dans sa collection printemps / été. Voici un aperçu des contributions de Warhol au pop art, et pourquoi il reste pertinent et populaire à ce jour.
Triple Elvis (type Ferus), 1963
La naissance du Pop Art
Le pop art est un mouvement artistique international né à la fin des années 50 et au début des années 60. Le terme a été inventé par le critique d'art anglais Lawrence Alloway en 1958 pour désigner les formes d'art populaires, telles que la publicité et le cinéma. En Grande-Bretagne, des artistes tels que Peter Blake et Richard Hamilton se sont associés au pop art en tant que mouvement artistique. Le célèbre ouvrage de Hamilton, «Qu'est-ce qui rend les maisons d'aujourd'hui si différentes, si attrayantes?» (1956) présentait un salon composé de découpes de divers magazines et photographies.
C'est en Amérique cependant que le pop art tel que nous le connaissons aujourd'hui a explosé au début des années 1960, avec Andy Warhol, Roy Lichtenstein, James Rosenquist et Tom Wesselmann établissant rapidement leur identité d'artiste pop à travers des oeuvres d'art qui se sont réappropriées des objets du quotidien en oeuvres de art.
En plus d'utiliser des produits de consommation comme sujet, les artistes pop ont également adopté le style utilisé dans leur production ou leur commercialisation. Par exemple, Lichtenstein a utilisé des points Benday - des points colorés qui étaient placés uniformément dans une zone particulière, souvent utilisés dans la publicité dans les journaux et les magazines - pour ses cadres gonflés de bandes dessinées.
Pour Warhol, sa sérigraphie répétée d'images reproduit le processus de production en série de produits de consommation. L'artiste avait plaisanté dans une interview: "La raison pour laquelle je peins de cette façon est que je veux être une machine, et je pense que tout ce que je fais et fais comme une machine est ce que je veux faire."
Le travail de Warhol en tant qu'artiste commercial a ouvert la voie à son style pop art, qui portait l'esthétique raffinée des campagnes publicitaires sur lesquelles il avait l'habitude de travailler. Après avoir obtenu son diplôme du Carnegie Institute of Technology, Warhol a déménagé de Pittsburgh, Pennsylvanie, où il est né et a grandi, à New York en 1949. Il a eu une carrière réussie en tant qu'artiste commercial dans les années 1950, créant des illustrations de mode pour Bazar de Harper et d'autres magazines et vitrines dans les grands magasins tels que Bonwit Teller.
Marlon, 1966
En effet, Warhol avait le doigt sur le pouls de ce qui plaisait aux masses, et démocratisait les beaux-arts avec ses œuvres faciles à comprendre. Warhol a affirmé un jour que les téléspectateurs se sont tournés vers le pop art parce que "cela ressemble à quelque chose qu'ils savent et voient tous les jours". En raison de son accessibilité, le pop art a séduit un large public traditionnellement peu intéressé par l'art, et a été couvert dès 1962 dans des magazines de masse tels que Time and Life.
Œuvres emblématiques
Les œuvres les plus reconnaissables de Warhol sont les «Campbell's Soup Cans» (1962), qui comprennent 32 toiles représentant des interprétations peintes à la main des 32 différentes variétés de soupe que Campbell’s Soup Company offrait à l'époque. Celles-ci ont été exposées pour la première fois à la Ferus Gallery de Los Angeles en 1962 par le galeriste sur une corniche comme si elles étaient sur une étagère à acheter.
La multiplicité d’une image dans l’œuvre de Warhol a attiré l’attention sur l’omniprésence de l’objet choisi. "100 Cans" (1962) est un autre des premiers travaux mettant en vedette des boîtes de soupe Campbell. Il a été peint à la main avec des pochoirs. «200 One Dollar Bills» (1962) de la série «Dollar Bill», comportant une grille de billets de 20 x 10, a été créé sur la même idée et en utilisant la même méthode.
Un autre article ménager qui a acquis un statut emblématique entre les mains de Warhol était la «Brillo Box», entre autres produits en carton, que Warhol reproduisait sous forme de sculptures en bois, sérigraphiant leur emballage sur des blocs de contreplaqué. Celles-ci ont été exposées à la Stable Gallery en 1964.
La série «Death and Disaster» est un ensemble d’œuvres moins inoffensives, qui comprend des œuvres telles que «Orange Car Crash Fourteen Times» (1963). Images de sérigraphie Warhol de tragédie tirées de journaux à plusieurs reprises sur une toile. Cela a été réalisé grâce au transfert d'images sur les écrans, une technique de gravure commerciale qu'il a adoptée à partir de la fin de 1962. Le résultat était des images plus nettes que celles peintes à la main qu'il avait produites auparavant.
La série a été exposée pour la première fois à la galerie Ileana Sonnabend à Paris, et était la première exposition solo européenne de l'artiste. Soit dit en passant, l'œuvre la plus chère de Warhol vendue aux enchères à ce jour est issue de la série, avec «Silver Car Crash (Double Disaster)» (1963) qui a été adjugé 94 millions de dollars US chez Sotheby’s en novembre 2013.
Warhol a également déployé des images de célébrités dans son travail, comme Marilyn Monroe dans «The Marilyn Diptych» (1962) et «Gold Marilyn Monroe» (1962). L'attrait durable des œuvres de l'artiste pop peut être vu dans les prix qu'ils ont obtenus aux enchères récentes. Christie's New York a offert, en novembre 2014, «Triple Elvis [Ferus Type]» (1963) mettant en vedette un Elvis Presley grandeur nature en triple exemplaire et «Four Marlons» (1966), une reproduction d'une photo du film culte de 1953 «The Wild One 'avec Marlon Brando. Les deux pièces ont rapporté respectivement 73 et 62 millions de dollars américains.
En réalisant ses œuvres à l'aide d'images prêtes à l'emploi et d'un système de bande transporteuse d'impression et d'application de la couleur, il y avait une controverse sur la paternité de ses œuvres, avec leur production mécanique reléguée aux mains de ses assistants dans son atelier, appelé à juste titre The Factory. Cela préfigure la pratique que de nombreux artistes contemporains adoptent d'employer des assistants d'artistes pour réaliser leurs œuvres en fonction des idées qu'ils proposent.
Photographier et filmer la vie
Dans un autre geste prémonitoire, Warhol a méticuleusement documenté sa vie quotidienne sur un magnétophone et une caméra, bien avant l'avènement des médias sociaux tels qu'Instagram et la création d'influenceurs sociaux. Warhol avait expliqué: «Une image signifie que je sais où je me trouvais à chaque minute. C’est pourquoi je prends des photos. C'est un journal visuel. "
Parmi les photos qu'il a prises avec son appareil photo Polaroid, qu'il a emporté avec lui à la fin des années 1950, il y avait des centaines, voire des milliers de photos fixes de tout, des minuties de sa vie quotidienne à l'usine au temps passé dans des endroits tels que Studio 54 dans les années 1970. Il n’est pas surprenant qu’il ait dit un jour: «Mon idée d’une bonne image est celle qui est au point et celle d’une personne célèbre». Beaucoup de Polaroids étaient des photos de têtes de célébrités qui travaillaient dans la musique, la mode et le cinéma, et comprenaient des personnes telles que la chanteuse Dolly Parton, la rédactrice de mode Diana Vreeland et l'acteur Jack Nicholson.
Campbell's Soup Cans, 1962
Non seulement les œuvres de Warhol étaient emblématiques, mais il était devenu une icône lui-même. Par exemple, au lieu de mettre une œuvre Warhol sur la couverture du numéro de décembre 1964 d'ArtForum, qui mettait en vedette l'artiste, il y avait une photo prise de lui par l'acteur Dennis Hopper en mosaïque sur la couverture, attestant de sa célébrité et de sa signature pop style d'art à la fois.
Alors que Warhol continuait à créer des œuvres dans son style immédiatement reconnaissable, comme la série peinte sérigraphiée «Mao» dans des combinaisons de couleurs ludiques au début des années 1970, il avait commencé à entrer dans le domaine du cinéma à partir de 1963. Il a produit des films tels que «Sleep '(1963), qui présente des images d'un ami qui dort pendant plus de cinq heures, et le film en noir et blanc de huit heures tout aussi statique' Empire '(1964) qui montre l'empire State Building du clair au sombre.
C’est avec ‘The Chelsea Girls’ (1966) que Warhol connaît un succès commercial pour son travail cinématographique. Différentes séquences ont été diffusées sur deux écrans simultanément avec des conversations et des monologues avec ses muses ou des personnes qu'il a trouvées intéressantes. Ils s'appelaient des superstars de Warhol et traînaient à The Factory. Partant de la conviction que "tout le monde sera mondialement connu pendant quinze minutes", il les a recrutés pour participer à ses œuvres, comme dans ce film, qui comprenait le chanteur-compositeur-interprète Nico et le mannequin et actrice International Velvet.
Marilyn Monroe en or, 1962
Laisser un héritage
Warhol était révolutionnaire en proposant de nouvelles idées pour capturer sa vie d'art. De l'illustration à la peinture en passant par la sérigraphie et la réalisation de films, il a cherché à chaque instant à essayer des façons innovantes de capturer la beauté et l'étrangeté de la vie à parts égales. Son cercle d'amis célèbres a démenti une nature introvertie qui lui a procuré un sens aigu de l'observation de la vie, qui transparaît dans ses œuvres visuellement percutantes qui restent recherchées à ce jour.
Pendant la Singapore Art Week 2016, l'exposition `` Andy Warhol: Social Circus '' sera présentée à Gillman Barracks, rendue possible par la Ryan Foundation, créée par un passionné de la nature et collectionneur d'art Ryan Su en décembre 2012 pour promouvoir la conservation de la nature et l'éducation artistique , y compris l'organisation d'expositions d'art pour le public.
L'exposition présentera la plus grande collection de Polaroids jamais présentée en Asie. Une trentaine de Polaroids, tirés de la collection de Ryan et d'une autre collection privée à l'étranger, mettront en lumière le who's who de la scène des célébrités de New York des années 1960 aux années 1980, y compris Warhol lui-même, ainsi que Bianca Jagger, Paul Anka et Keith Haring .
Le conservateur Khim Ong, qui a travaillé en étroite collaboration avec Ryan pour monter le spectacle, voit l'opportunité d'encourager les collectionneurs privés à partager de la même manière leurs collections avec le public. Parlant de la valeur des Polaroids qui seront exposés, elle note que comme ils n'ont pas été créés expressément en tant qu'œuvres d'art mais peut-être en tant que documents d'archives ou sources, ils peuvent fournir un aperçu précieux de la pratique de l'artiste, qui consistait dans une large mesure à faire sa vie son art.
Art Republik parle à Ryan Su de sa collection de Warhol Polaroids dans le cadre de ses intérêts de collection plus larges, de son travail avec la fondation et de ce qu'il espère réaliser avec l'exposition.
Race Riot, 1964
Comment avez-vous trouvé le titre «Andy Warhol: Social Circus»?
Warhol a été inondé d'images de la culture pop au cours de ses premières années de formation.Il aimait les magazines, a assisté à l'introduction de la télévision, au boom du shopping et a recueilli des photos de stars. Cette culture visuelle visait le consumérisme. Cependant, issu d'une famille pauvre de Pittsburgh, il ne pouvait y participer. En tant qu'étranger, il était un observateur qui regardait. Plus tard dans la vie et en boucle, des célébrités, des artistes et des créateurs de mode l'entouraient alors que sa renommée en tant qu'artiste pop art montait en flèche. À The Factory et Studio 54, son cercle social s'est étendu tous les soirs - pour inclure des mondains, des luminaires à écran argenté et des habitants du monde souterrain et de la contre-culture de New York, tels que les drag queens et les toxicomanes. Mais avec leurs manigances, le LSD, l’alcool, la débauche et la création artistique, il est rapidement devenu un «cirque social».
Quand avez-vous commencé à vous intéresser à l'art?
Pendant longtemps, j'ai trouvé le type d'art que je voulais accrocher de manière intimidante contre des murs blancs gardés par des galeristes froids. Je suis sûr que beaucoup de gens intéressés à voir de l'art partageraient le même sentiment. Mes réserves se sont avérées vraies dans une certaine mesure. Néanmoins, j'ai rencontré certaines des personnes les plus chaleureuses, gentilles, généreuses et fascinantes du monde de l'art. Une partie de ce que je me vois faire avec la Fondation Ryan est de briser les frontières entre le monde de l’art et le «public». Faire un spectacle comme celui-ci ferait exactement cela!
Quand as-tu commencé à collectionner? Votre collection a-t-elle un thème ou un focus spécifique?
Ma collection d'art a commencé par accident à Londres, où je suis allé étudier le droit de l'art. Je suis inspiré par la nature et collectionne beaucoup d'œuvres qui dépeignent la nature, même sous forme abstraite - mais parfois je dévie. Je collectionne des œuvres d'un petit nombre d'artistes. J'aime faire mes propres recherches et creuser profondément dans leurs œuvres, et construire une collection significative à partir de là. J'aime aussi explorer des parties de leurs œuvres qui ont reçu peu d'attention ou qui sont oubliées. C'est cette poursuite qui me fait avancer.
Comment en êtes-vous venu à posséder vos premiers Polaroids d'Andy Warhol?
Les polaroids de Warhol sont convaincants. La pertinence sociale du Polaroid autoportrait de Warhol est difficile à manquer dans ce monde des selfies - où le narcissisme, l’auto-adoration, la perfection et l’image de soi se répandent.
J'ai acquis mon premier Polaroid lors de mes études au Royaume-Uni. Mais très peu de temps après, j'ai essayé de m'en débarrasser et de les vendre car je ne pouvais pas les garder correctement. À cette époque, je n'avais pas de véritable entrepôt d'art et je savais que les ramener à Singapour les détruirait car le climat tropical n'était pas le plus idéal. Plusieurs années plus tard, je regrette profondément ma décision de m'en débarrasser car j'en ai eu des fantastiques. Maintenant, avec une installation de stockage appropriée, j'ai reconstitué la collection. Mieux encore, ils ont désormais un public!
Un portrait du collectionneur d'art Ryan Su
Selon vous, qu'est-ce qui fait d'Andy Warhol une figure si importante de l'art et de la culture contemporains?
Je crois que l'argument le plus pertinent et le plus important pour expliquer pourquoi Warhol est une figure si importante est qu'il est un visionnaire. Warhol avait une formidable prévoyance. Il a essayé des choses et des styles qui deviendraient finalement des tendances. Qui savait que les imprimés camouflage prendraient d'assaut le monde de la mode, les selfies seraient l'engouement ou que les gens seraient célèbres simplement pour être célèbres?
Quel est le travail préféré d'Andy Warhol?
Parmi mes favoris dans cette exposition, il y a les Polaroids de Bianca Jagger. Ils sont rares dans le sens où ils forment un triptyque. La beauté du Polaroid est que la seule façon de les «reproduire» était de prendre plusieurs photos - et chaque Polaroid est unique et spécial, ayant été pris à une fraction de seconde d'intervalle. Ils montrent à l'observateur ce que Warhol lui-même voit à travers les multiples images que pose son sujet de célébrité, presque comme une animation. Les images à contraste élevé créées par l'appareil photo Polaroid ont omis les imperfections et les imperfections - favorisant la quête de perfection et de glamour de Warhol. Les Bianca Jagger Polaroids incarnent son style et sa technique de signature. Elle est à l'aise - ses cheveux, son visage et son cou sont absolument magnifiques.
Comment cette exposition a-t-elle pris forme?
J'ai eu l'idée d'organiser un dîner privé pour accompagner un spectacle privé qui comprendrait les Warhol Polaroids pendant la Singapore Art Week 2016 pour mes invités spéciaux qui prendraient l'avion pour la foire d'art et divers événements. J'ai décidé plus tard d'en faire un spectacle public à la place. Ce serait étonnant de partager avec tout le monde ces Polaroids pris il y a des décennies et pour que les gens établissent un lien avec les selfies aujourd'hui.
Crédits d'histoire
Texte par Nadya Wang
Cet article a été initialement publié dans Art Republik
Tous les Polaroids sont une gracieuseté de la Ryan Foundation. Toutes les autres images d'œuvres d'art gracieuseté de la Fondation Andy Warhol
