Méta-formes: l'artiste indonésien Handiwirman Saputra

"Qu'est-ce que ça veut dire?" De nos jours, nous rencontrons souvent encore cette question face à une œuvre d'art. Dans la pratique artistique de Handiwirman Saputra, la question n'a pas de réponse. En tant qu'artiste visuel, Handiwirman est sûr que ce qu'il présente est une sorte de vision, une manifestation, une forme; pas un sens. L'une des façons d'éviter d'être pris au piège du besoin de sens, d'intention, de sens, etc., est de changer cette question clichée.

"Qu'Est-ce que c'est?" La réponse pourrait être simple, ou peut-être pas. L'objet est l'objet lui-même. C’est une peinture, une sculpture, un objet, une installation, une photographie, etc. Ce qui est certain, c'est qu'il s'agit d'une œuvre d'art - avec toutes les valeurs qui l'accompagnent.

Le travail de Handiwirman n'est la réponse à aucun type de problème; il ne s'agit pas non plus de quoi que ce soit. Le travail de Handiwirman est quelque chose à voir et à vivre. Le spectateur a le droit de donner son expérience de la recherche de sa propre signification. Le spectateur a le droit de construire la relation qu'il souhaite avec l'objet que l'artiste présente. S'ils le désirent, le spectateur a bien sûr le droit de donner un sens au travail qu'ils observent.

Pour citer ST Sunardi, "En substance, l'œuvre d'art demande à être vue."

Ainsi, devant une œuvre d'art, il suffit de regarder. Après avoir regardé, qu'aimez-vous? Ou voyez-vous quelque chose qui pique votre curiosité? Comment interprétez-vous cette expérience visuelle? Êtes-vous intéressé à ouvrir un dialogue avec ce que vous avez vu? Ainsi, le spectateur ne se déplace pas simplement dans la position du public, mais devient une partie de l'ensemble de l'arrangement: présenté. Ils font l'expérience du travail et deviennent ainsi partie intégrante du travail.

Les aspirations de l’artiste sont simples: formes présentes, manifestations, visions, qui invitent à l’expérience. À quel genre d'expérience s'attend-il? Peu importe. Ce pourrait être une expérience de formation, ce pourrait être la beauté, ou même un outil de discussion extérieur à la manifestation elle-même.

Les mots clés de la pratique artistique de Handiwirman sont: vivre, vivre, vivre, vivre, traiter, comportement, objets, manifestations, visions. Pour lui, il est impossible de parler, de communiquer ou de se connecter avec quiconque sans expériences partagées - ou du moins similaires -. Il imagine que le processus de création de l'œuvre et la façon dont une personne apprécie le travail sont la même chose.

«S'il y a quelque chose qui peut être appelé pure expression, alors seul un fou le possède. Il n'a aucun but. Il dessine juste pour dessiner. Comme Suyar, l'homme fou qui aime s'approcher du campus. J'ai aimé regarder la façon dont il dessinait. Ensuite, j'ai décidé que pour réaliser quelque chose qui pourrait être appelé pure expression, il fallait être comme Suyar. »

Handiwirman avait découvert plusieurs façons de penser substantielles dans son processus de création, en particulier concernant les intentions mimétiques de peintures réalistes. Selon lui, la tradition de la peinture réaliste s'appuie sur des intérêts esthétiques totalement non objectifs. Lorsqu'un artiste prétend déplacer une «nature morte» sur la toile, en fait, consciemment ou inconsciemment, il suit la logique de la représentation en deux dimensions, qui est toujours limitée par l'échelle et les caractéristiques de la peinture. Pour cette raison, la beauté qu'une peinture de paysage rayonne ne reflète jamais réellement la beauté de la nature elle-même.

«Puis j'ai recommencé à penser à la peinture. Quel genre d'expression pourrait être considéré comme pur? "

L'exposition personnelle de Handiwirman «Material Matters», organisée par Enin Supriyanto et commandée par Fumio Nanjo, a été présentée au TOLOT / heuristic SHINONOME à Tokyo, au Japon, en 2015.

Crédits d'histoire

Par Grace Samboh