Interview: le peintre Frank Holiday
Frank Holliday (né en 1957) est un peintre, notamment des mouvements de néo-expressionnisme et de néo-abstraction, qui a gagné en popularité dans la scène artistique new-yorkaise dans les années 1970 et 1980, et est souvent associé aux scènes East Village et Club 57 . Originaire de Caroline du Nord, aux États-Unis, Holliday a travaillé et exposé avec d'autres artistes éminents de sa génération, notamment Andy Warhol, Keith Haring, Jean-Michel Basquiat, Ann Magnuson, Kenny Scharf et Donald Baechler, entre autres.
Holliday a étudié au San Francisco Art Institute, à la New York Studio School et à la School of Visual Arts, obtenant son baccalauréat en beaux-arts en 1979. Il a exposé avec de nombreuses galeries de renommée mondiale telles que la Kenny Schacter Gallery, la Tony Shafrazi Gallery and Partners & Mucciaccia; il a été représenté dans de nombreuses expositions de groupe, notamment au Arts Club, White Columns et Club 57 avec Keith Haring; son travail a fait l'objet de critiques par Holland Cotter et Stephen Westfall dans Art in America, Grace Glueck et Ken Johnson dans le New York Times et Bill Arning dans Village Voice; et il a reçu des prix de la National Endowment for the Arts (1986), de la Gottlieb Foundation Fellowship (2010), de la Pollock Krasner Foundation Fellowship (2010) et du Fellow de la John Simon Guggenheim Memorial Foundation (2015).
Fête romaine, 2014
Brillantes et révolutionnaires, les peintures de Holliday font partie de nombreuses collections à travers le monde, notamment aux États-Unis, en Europe, au Japon, en Australie et au Mexique; aussi des institutions américaines et européennes et des collections privées dont le Rooseum, la Fondation Vilcek et la Collection Heiner Friedrich. Plus récemment, ses peintures ont trouvé leur place dans de nombreuses collections privées ici en Asie grâce à une exposition solo avec Partners & Mucciaccia, Singapour. La galerie a amené Holliday à Singapour, ainsi qu'en Asie, pour la première fois dans la vie de l'artiste en septembre 2015; ils ont présenté 41 peintures de Holliday, dont certaines n'ont jamais été montrées publiquement auparavant. Bien que ces peintures reconnaissent la tradition occidentale de l'abstraction, elles sont également influencées par la vie contemporaine et ont une vision singulière, comblant le fossé entre le haut et le bas art, qui est devenu le style de signature de l'artiste.
«Les peintures de Frank Holliday transportent. Avec leurs coups de pinceau luxuriants et leur palette voluptueuse, leurs profondeurs suggestives et leurs sensations superficielles de présence corporelle, ce sont des images qui vibrent de formes vivantes et d'une atmosphère crédible. Ils parviennent à faire tout cela en nous épargnant les spécificités de la représentation paysagère actuelle. Ils sont abstraits tout en dégageant des sensations de paysage », explique David Cohen, critique d'art, historien de l'art et commissaire d'exposition américain.
Art Republik s'assoit avec un Holliday très honnêtement candide lors de sa visite à Singapour.
Quelle est la seule chose à Singapour qui a attiré votre attention?
La fusion de la nature et de l'architecture, en particulier les aspects coloniaux. C’est un mélange tellement intéressant. Cela ressemble à l'avenir, mais le passé est toujours présent. Avez-vous déjà vu «Blade Runner»? C’est comme ça, où le passé est un continuum.
Comment était-ce de faire partie de la scène East Village? Et la différence alors et maintenant.
Tous ces gens sont morts (rires) - Keith Haring, Andy Warhol, Jean-Michel Basquiat - mais j'ai survécu. Je ne sais pas comment j'ai fait. Dieu peut-être?
Comment était-ce de travailler si étroitement avec Keith Haring?
Keith a toujours cru en moi et j'ai toujours cru en lui. J'ai rencontré Keith à l'école et il a vraiment répondu à mon travail. Ensuite, j'ai commencé le Club 57 avec quelques personnes - vous savez, le Club 57 n'était que le sous-sol d'une église que nous louions pour 25 $ par mois - et SoHo ne nous laissait pas entrer, le Mudd Club ne nous laissait pas entrer, alors nous nous sommes tous réunis et avons organisé un spectacle - performance, théâtre, expositions d'art; c'était un produit de notre génération culturelle.
Je faisais du noir à ce moment-là, et Keith, cette mère de famille, faisait ses bébés rampants et c'était juste l'heure de Keith. J'ai fait mon travail et j'ai montré avec tous ces gars-là… mais j'avais aussi l'impression que Keith n'avait que 27 ans à vivre, Jean-Michel n'avait que 27 ans à vivre - j'ai presque 60 ans. Keith est un grand artiste. J'ai dû apprendre à l'aimer et à le regarder devenir une superstar… puis à le regarder mourir - ce n'était pas facile.
Trailing a Violet Haze, 2013
Dans vos mots, de quoi parlent vos peintures?
Le sens profond de ce que c'est que d'être vivant, d'être un être humain, d'être vulnérable, d'évoquer l'émotion chez le spectateur; les peintures elles-mêmes ne sont pas émotionnelles, mais si je peux ouvrir quelqu'un, il peut répondre à l'émotion pour pouvoir participer aux peintures. Ils visent à dire aux gens qu’ils sont formidables. C’est le moment. Et je pense qu'après toute la mort et tout ce que j'ai vécu, je devais me demander ce que cela signifie d'être vivant? Est-ce la lumière qui tombe sur votre amoureux le matin et vous seul pouvez en faire l'expérience et cela signifie tout? Ou vous vous promenez sur le couvercle et cette belle lumière qui est au-delà de vous est tellement incroyable, mais vous regardez votre montre parce que vous avez un rendez-vous, et vous regardez en arrière et c'est parti - de sorte que ce moment fugace. Maintenant que je suis plus âgé, je me suis rendu compte que ma vie a eu des moments incroyables, mais elle s'est éteinte.Et donc pour moi, mes peintures doivent rappeler aux gens que le monde est peut-être en train de se terminer, mais n'est-ce pas glorieux?
Je voulais aussi faire des peintures que vous n'étiez pas autorisé à faire à l'école d'art parce que vous ne pouviez pas écrire une thèse à leur sujet. Je voulais vraiment me mettre à la limite de: Pourquoi est-ce qu'il y a tant de Monets sur une tasse de café? Pourquoi ne sommes-nous pas autorisés à répondre à cela? Mes peintures sont comme ça, elles sont subversives de cette façon. Dans le même sens, c'est pourquoi j'aime le travail de Jeff Koons, car il est authentiquement Jeff Koons, et ses œuvres sont si brillantes et belles, et je pourrais tomber dedans et me perdre. De même avec Andy Warhol, il y avait une authenticité dans ce qu'il faisait, quelle que soit sa forme, il y avait une vérité. Je prends la subversion de la peinture et la subvertis dans les éléments pop de mes peintures, vous forçant à faire face à quelque chose de beau, et quelque chose de joli ... joli, joli.
* Pour plus d'informations, veuillez visiter www.partnersandmucciaccia.com
Crédits d'histoire
Texte par Marc Wong
Cet article a été initialement publié dans Art Republik
