Interview: Uji 'Hahan' Handoko
Né en 1983 à Kebumen, Uji ‘Hahan’ Handoko a fait ses débuts à la Faculté des beaux-arts de l’Institut indonésien des arts de Yogyakarta. Au cours d’une année 2008 mouvementée, il a été nommé finaliste dans le top 30 du prix Souverain de l’art et a entrepris le programme d’artiste en résidence du National Art Studio à Séoul, en Corée. Certains de ses spectacles les plus prolifiques incluent ArtJog14, Jogjakarta (2014); La 7e triennale Asie-Pacifique d'art contemporain (2012); Galerie nationale d'Indonésie, Jakarta (2011); Galerie Primo Marella, Milan (2011); Korea International Art Fair, Séoul (2010); Forum Kedai Kebun, Yogyakarta (2010); Biennale Jogja X, Yogyakarta (2009) et Biennale de La Havane, Cuba (2009).
Toujours décrit dans un tourbillon d'adjectifs haletants: audacieux, effrontés, décalés, rebelles, punk… L'artiste multidisciplinaire, se caractérise par une énergie curieuse effervescente - toujours interrogatrice, repoussant toujours les limites du possible. L’un des principaux aspects de son travail est caractérisé par les dualités entre les perceptions du «haut art» et du «bas art». Enterrant le réalisme avec des couches sur des couches d'ornementation dramatique, son travail représente la rupture entre l'urbanisation et l'agraire, l'Est et l'Ouest, le local et le global. Hahan déploie son film, les influences de la musique pop-street dans un langage visuel idiosyncrasique qui se présente comme une escarmouche tumultueuse sur la toile - des couleurs audacieuses qu'il a le don bien connu de répandre sur ses contours. La «coloration hors des lignes» ajoute au mouvement et à la spontanéité qui caractérisent sa production.
Série Trinity, 2015
Véritable artiste pop, il cherche constamment à réinventer des façons d'actualiser ses idées - de venir sous la forme d'être chanteur dans le groupe collectif d'artiste punk d'avant-garde Punkasila; son rejet de la toile, expérimentant des supports et des substrats non conventionnels; tissage de problèmes méta-politiques complexes auto-réfléchissants dans des composites «bas de gamme», mais complexes; collaboration sur une ligne de vêtements avec le label australien de surf-gazon Hurley International, à sa détermination à rendre son art accessible à sa communauté autant que possible - Hahan semble être le fer de lance d'un bouleversement tout seul. Art Republik rattrape l'artiste rebelle pour voir ce qui se passe.
Votre travail rassemble une variété de vos influences - cinéma, musique et culture de rue dans un langage visuel distinct. Les récits et les histoires sont-ils quelque chose auquel vous pensez dans votre pratique?
Chacune des influences que vous avez mentionnées a un langage différent pour raconter une idée. Si je combine uniquement la forme visuelle et la façon dont elle est utilisée, elle peut ne pas différer les unes des autres. Plus que cela, je veux creuser sous la surface, y compris son contexte culturel et social, puis le combiner avec mon propre point de vue pour en faire mon propre langage visuel.
Les gens ont caractérisé votre travail comme un conflit continu entre l'art «haut» et «bas», les problèmes de polarités entre l'Est et l'Ouest, le local et le mondial - qu'en est-il des dualités qui vous intéressent?
Je fais partie d'une génération qui, au départ, avait des sources d'information très limitées, mais maintenant, avec Internet et la mondialisation, nous avons plus accès à l'information d'Ouest en Est - la frontière entre l'art «haut» et «bas» est devenue un flou et hybride. Je suis dans cette position en ce moment et j'essaie de refléter ce qui se passe aujourd'hui à travers mes oeuvres.
One for All, All for One… .Vendu (vue détaillée), 2014.
Dans quelle mesure le fait d'avoir grandi en Indonésie a-t-il influencé votre approche de vos perspectives et de votre art en général?
Je crois que chaque endroit ou pays a ses propres caractéristiques qui, consciemment ou non, façonneront les caractéristiques de l’artiste. De nombreux facteurs en Indonésie, par exemple le développement physique inéquitable et la répartition des revenus, la friction de la tradition locale et de la culture mondiale à l'ère de la divulgation, et en particulier le développement de l'infrastructure artistique, ont un impact important dans la formation de mon point de vue et de ma pensée générale . En particulier en ce qui concerne l'infrastructure des arts visuels, bien qu'il n'y ait pas d'étapes ou de niveaux d'établissement des artistes et également un soutien gouvernemental insuffisant, les artistes indonésiens deviennent plus motivés à sortir des sentiers battus et à expérimenter davantage.
Vous l’avez déjà mentionné, votre résidence d’artiste à Séoul est le pivot de votre vie qui vous a donné la conviction d’être un artiste contemporain. Comment était-ce pendant votre séjour là-bas, comment la ville vous a-t-elle affecté et en quoi est-elle différente de l'Indonésie?
À cette époque, l'Indonésie, en particulier Jogja… l'opportunité en tant qu'artiste de faire des résidences d'art à l'étranger était une affaire importante et luxueuse. C'est parce que la recommandation et le lien étaient si rares à obtenir et difficiles à concurrencer, même contre des artistes très établis. Pour moi, c'est devenu mon point de départ qui m'a convaincu et motivé à poursuivre une carrière d'artiste.
En plus des artistes et de leurs œuvres, Séoul m'a également impressionné par leur mise en place d'une infrastructure d'art visuel qui a reçu un soutien actif de leur gouvernement et du secteur privé. Cela m'a vraiment ouvert les yeux en tant qu'artiste. Mes œuvres et mes pratiques artistiques à l'époque étaient loin derrière ce que j'ai vécu et vu là-bas, et je l'ai ressenti encore plus après avoir rencontré le directeur de Leeum, Samsung Museum of Art.
Je l'ai rencontré avec un pair qui était avec moi à la résidence. Il a d'abord demandé à mon ami, qui était originaire de l'Inde, d'où il venait, et il a immédiatement mentionné «Anish Kapoor» comme nom familier. Il s'est ensuite tourné vers moi en me posant la même question, mais s'est rapidement excusé de ne connaître aucun artiste indonésien familier. Cela m'est resté et c'est une grande partie de la raison pour laquelle je m'efforce d'expérimenter et de me démarquer.
Le paysage des problèmes universels, 2016
Parlez-nous de votre travail au sein du collectif d'artistes indonésiens Punk Rock Outfit Punkasila. Ce n'est pas le seul groupe dans lequel tu es, non?
Punkasila a été initiée par Danius Kesminas (artiste basé à Melbourne) dans son programme de résidence avec Asia Link par le biais de la Cemeti Art Foundation en 2005. À cette époque, je pensais que ce n'était qu'un projet temporaire, car tout d'abord le but était simplement d'inviter et de collaborer avec plusieurs artistes visuels (dont moi) dans le cadre d'un groupe de rock, ce qui a abouti à notre album "Acronym Wars". Mais ensuite, il a continué à se développer en un collectif d'art, qui a commencé à inviter de l'extérieur du domaine des arts visuels. Cela fonctionne maintenant depuis 10 ans.
Mes autres projets musicaux qui ont été réalisés collectivement avec divers amis sont ‘Black Ribbon’ formé en 2004 pour explorer le bruit avec un magnétophone analogique et un synthétiseur DIY; ‘Hengky Strawberry’ formé en 2007 pour capturer la prochaine vague de musique électronique et de culture rave indonésienne; «The Spectakuler» formé en 2010, qui était la collaboration de «Black Ribbon» et de «Demi Tuhan» avec Woto «Wok» Wibowo; ‘Anusapatis’ formé en 2011 combinant une musique électronique et un style grindcore rapide; et «N.E.W.S» formé en 2013, qui est un groupe vocal qui a répondu au texte de la conservation ou à tout texte diffusé sur la scène artistique.
Génération sobre, 2013
À quoi ressemble le mode de travail pour vous? Est-ce toujours différent, selon et la nature du support?
En fait, ma méthode de travail est toujours la même. Il n'y a aucune différence entre les médiums. Habituellement, cela commence par une idée ou une notion, puis le concept et, au stade final, le choix du médium. Chaque type de média a sa propre valeur politique, et je pense que le bon choix de médium amplifiera le mieux les concepts et les idées. Les différences dans les méthodes de travail peuvent apparaître, mais pas en raison des différents supports, mais plutôt en raison de l'implication variable des autres, travaillant en tant qu'artiste individuel ou collectif. Et lorsque je travaille dans le cadre d'un collectif, il y a des étapes supplémentaires comme la discussion de groupe et le processus décisionnel partagé.
L'humour est-il une partie importante de votre travail?
Vivre en Indonésie sous un gouvernement qui ne règne pas avec la réciprocité et conduit un système social instable, bien sûr l'humour devient important, surtout pour que je puisse voir les problèmes de la société et communiquer mes idées à mon public.
Vous êtes connu pour préférer avoir votre travail dans les espaces publics, et que votre travail est accessible à tous. Est-ce important pour vous, permettant aux gens de ressentir de l'excitation, de la crainte et de l'émerveillement avec l'art, sans expérience ni informations qui leur sont nécessaires?
Cela n'a pas vraiment d'importance en fait. Je crois que toute personne ayant des antécédents a sa propre façon d'apprécier une œuvre d'art, avec ou sans expérience ou informations pré-requises. C'est l'excitation des espaces publics pour moi, où des perspectives riches et imprévisibles vont apparaître. Pour moi, il est également important que l'art crée de nouveaux espaces de négociation pour le public.
Série Lucky Country # 2, 2013
Vous êtes actuellement l'ambassadeur de la marque pour le label de surf et streetwear Hurley International. Cette collaboration avec Hurley est-elle quelque chose que vous avez toujours voulu faire?
En fait, j'ai aussi ma propre ligne de vêtements et de marchandises que j'ai commencée pendant ma deuxième année à l'école d'art. Cela fait partie de ma stratégie de rendre l'art plus facilement accessible afin qu'il puisse toucher plus de gens. Je collabore depuis.
Avec Hurley, ils ont une solide expérience dans le soutien à la scène des arts visuels, et il n'y a aucune intervention de leur part sur mon processus créatif. Plus que cela, Hurley n'utilise pas seulement mes œuvres d'art sur leurs produits, mais ils soutiennent également mes autres efforts artistiques individuellement et collectivement comme avec Ace House.
L'important dans le monde de l'art d'aujourd'hui, en particulier en Indonésie, est d'explorer de nouvelles possibilités en dehors de la manière actuelle des arts visuels et de trouver de nouvelles façons de diffuser votre message.
Que signifie la beauté pour toi? Vous avez généralement tendance à «colorer en dehors des lignes», ce qui rend délibérément le travail désordonné ou semble incomplet. Le chaos est-il quelque chose qui vous captive?
J'aime toujours la forme d'erreur intentionnelle. C’est comme montrer notre limitation en tant qu’êtres humains. La beauté pour moi ne concerne pas le résultat parfait, c'est plus le processus pour atteindre cette perfection.
Flotteur de la ligne, 2016
Que pensez-vous de l'expression artistique, de la censure et de l'état général du politiquement correct dans le monde en ce moment?
La censure ne devrait même pas exister, elle devrait d'ailleurs provenir d'autres personnes. Il n'y a que la considération qui vient de nous, même si elle est affectée par une autre. Mais la décision est prise par nous et c'est l'expression artistique.
Cette histoire a été publiée pour la première fois dans Art Republik.
