Dette esthétique: ce que la haute couture doit à l'Asie
Qui a dit que la mode existait dans sa propre bulle? Les designers et les maisons sont aujourd'hui plus que jamais en train de s'inspirer et de faire référence dans le monde entier. Cela n’est nulle part plus apparent que dans les relations de la haute couture avec l’Orient. L'Orient séduisant a longtemps été une mine d'or pour les touches décoratives. L'amour de Christian Dior pour l'Orient l'a amené à créer une robe - dans la belle silhouette New Look avec sa taille pincée et son volume élaboré - recouverte de gribouillis japonais relevée d'un ancien imprimé. Les mots? Quelque chose au sujet des selles et des maux de ventre. Un exemple drôle mais révélateur, s'il y en avait un, sur les résultats de bonnes intentions et d'une exécution involontaire.
Heureusement, les concepteurs ont aujourd'hui le luxe de la recherche et la disponibilité d'une vision mondiale du monde (merci Google) qui a abouti à une manière plus intelligente d'explorer l'Est pour l'inspiration - et c'est celle qui devrait être célébrée. Exposition clé 2015 du New York Metropolitan Museum of Art, Chine: à travers le miroir, était une vitrine significative des influences de l'Est sur la mode. Ce qu'elle a réussi à démontrer, c'est que la Chine a eu une influence esthétique sur pratiquement tous les créateurs de haute couture. L’élément «miroir» de l’exposition devrait cependant rappeler que la Chine et, en fait, le reste de l’Asie ne sont pas des mystères orientaux lointains. Sa pertinence et son influence exigent presque que les designers qui choisissent des références le fassent avec une sensibilité intelligente plutôt qu'avec un pastiche réducteur.
Japon à Paris
Maison Margiela
Deux des designers japonais les plus importants - Rei Kawakubo et Yohji Yamamoto - sont dans l'entreprise depuis plus de 40 ans, avec des débuts dans les années 1970 et 1980. Il est intéressant d'évaluer leur esthétique et leur impact sur l'industrie. Nous devons nous rappeler que les deux étaient si influents et notables à la mode parisienne en raison de la contrariété de ce qu'ils montraient. Lorsque la mode occidentale - c'est-à-dire euro-centrée - a construit des robes autour du corps féminin glamour et sexualisé, Kawakubo et Yamamoto ont fait irruption et ont proposé des formes inventives, des silhouettes, des coupes et une utilisation insistante de la couleur noire. En effet, la marque Yamamoto a été vénérée pour son savoir-faire magistral, son étreinte protectrice du corps et son intelligence qui crée un sentiment de sécurité pour le porteur - les vêtements comme armure proverbiale.
Kawakubo, aussi, est devenue célèbre pour être elle-même implacablement. Comme des Garçons est devenue une marque de modèle (photo en haut) avec ses nombreuses gammes dérivées - Junya Watanabe, Noir Kei Ninomiya et Ganryu sont toutes par les protégés de Kawakubo - et les magasins Dover Street Market. La force artistique sous-jacente reste la ligne principale de Comme des Garçons conçue par Kawakubo elle-même, qui a toujours été unique, audacieuse et avant-gardiste.
Kenzo représente aujourd'hui une accessibilité optimiste grâce aux directeurs créatifs Carol Lim et Humberto Leon. Les fondateurs de la cérémonie d'ouverture apportent à la marque une ligne de pensée commerciale new-yorkaise qui la maintient dans l'esprit original du fondateur. L'homme lui-même, Kenzo Takada, a ouvert sa boutique à Paris, nommée Jungle Jap, vendant ses imprimés multiculturels brillants et amusants. L'un des piliers clés de la mode Kenzo est le sens du plaisir et de la jeunesse. Bientôt, Kenzo lancera une collection collaborative avec H&M, l'une d'une série de sorties en édition spéciale avec des marques comme Lanvin, Maison Martin Margiela, Balmain, Isabel Marant et Karl Lagerfeld. En route vers l'avenir, en effet.
En parlant d'avenir, il ne faut jamais oublier la marque japonaise qui a repoussé les limites techniques et créatives. Issey Miyake est important pour la mode en raison de son amour de la technologie et des explorations de la marque sur la forme et la fonction de la robe. Les premières œuvres de Miyake ont été construites autour du kimono japonais, déconstruisant le vêtement traditionnel pour aller au cœur de ce qui fait que les vêtements pliables fonctionnent. Jouant avec dimensionnalité, il a développé une ligne de vêtements doucement sculpturale. Sa célèbre technique de plissage pressé à chaud a donné naissance à la ligne Pleats Please, et la silhouette façonnée mais drapée est unique depuis. Dans la collection FW16, l'actuel directeur créatif Yoshiyuki Miyamae rend un hommage respectueux avec des vêtements construits avec des techniques de plissage que la marque appelle «cuites au four étirées» et «3D étirées à la vapeur». La marque reste, dans son esprit, aventureuse dans l'exploration de l'effet de la technologie sur la construction des tissus et des vêtements.
Influences culturelles
Valentino
Les plus hauts échelons de la mode ont une dette esthétique envers l'Asie. Les grands noms de Paris tels que Christian Dior, Yves Saint Laurent, Paul Poiret, Madeleine Vionnet et Coco Chanel s'inspirent de diverses facettes de la chinoiserie et du japonisme. Il y a un élément de pastiche qui ne peut pas être ignoré, bien que l'on puisse le ramener à l'époque. Yves Saint Laurent a rendu hommage, dans les années 1970, au cheongsam et qipao silhouettes, surmontées de chapeaux et vestes inspirées de la robe impériale chinoise. Dans la dernière collection de Tom Ford pour la maison à l'automne 2004, ces looks ont été amplifiés pour mettre en valeur la sensualité et l'audace sexuelle. Les vêtements près du corps et à fente haute démontraient la mentalité de vente sexuelle à indice d'octane élevé de Ford et sa capacité à renverser les formes vestimentaires traditionnelles pour s'adapter à l'époque.
Coco Chanel était une célèbre collectionneuse d'écrans de coromandel laqués en provenance de Chine et a décoré sa maison et ses bureaux de la rue Cambon avec plus de 30 d'entre eux. Les collections de Karl Lagerfeld se sont appuyées sur cette obsession, notamment avec un spectacle des Métiers d’art de 2009 à Shanghai qui a mis à profit sa force pour allier l’héritage de Chanel aux besoins des femmes modernes. Le résultat: une attitude chinoise moderne portée avec les tailleurs jupe bouclée insouciante de la maison. Lagerfeld a ensuite fait un voyage en Inde dans le cadre du salon Paris-Bombay Métiers d’Art 2012: des styles de vêtements indiens traditionnels tels que les pantalons salwar (pantalons volumineux qui s’effilent fortement près des chevilles) et kurti (chemisiers longs tuniques) ont été associés aux perles et tweeds emblématiques de Chanel. Quand il s'agit de faire des références, Lagerfeld est un maître; il y a une facilité dans le mélange qui dément la recherche approfondie et la finesse dans la construction.
John Galliano a nourri l'amour de Dior pour l'Orient lorsqu'il dessinait pour la maison avec les splendides défilés SS07 et SS09. Le printemps 2007 a vu des geishas modernes dans des silhouettes de bar de couleur chartreuse, lavande et rose coupées en taffetas de soie avec une touche de style origami. En 2009, le motif omniprésent du saule sur la céramique chinoise s'est glissé sous les doublures, à l'intérieur et autour de l'extérieur des robes - une délicatesse pour les vêtements prêtés en invoquant un produit clé du commerce que la Chine partage avec l'Occident depuis des siècles.
La prise d'aujourd'hui
Valentino
Les couturiers modernes jouent à un jeu plus nuancé de sélection de références. Pensez au défilé haute couture du printemps 2016 de Valentino. Les silhouettes et la poussée du look étaient la signature d'un autre monde et ultra-féminine pour laquelle Maria Grazia Chiuri et Pierpaolo Piccioli sont devenus acclamés. Des manteaux et des robes de style kimono avec des carpes et des dragons peints à la main puisent dans la source mythologique de l'Orient. Cela a suivi l'histoire visuelle de la collection de la marque avant l'automne 2016, qui comprenait des dragons et des hirondelles peints à la main et intarsia, un pyjama avec des cygnes en brocart et des robes décontractées avec des peintures d'oiseaux et de fleurs raffinées du Xe siècle.
Dans la collection FW16 de Gucci, Alessandro Michele a envoyé un nombre vertigineux de 70 regards sur sa piste. La méthode Michele consiste à créer pour une variété de femmes - différents personnages osant participer et jouer dans la caractérisation d'habillage. Deux looks inspirés de l'Asie déambulaient sur la piste: le premier, une mini-robe à motif soleil italien et un col Mao; le second, un qipao au sol avec une bordure en fourrure rose sur les manches et un motif phoenix brodé.
Chez Louis Vuitton et Kenzo, les marques se sont tournées vers une idéalisation caricaturale des femmes. Nicolas Ghesquière possède l'un des meilleurs atouts de l'industrie pour puiser dans l'énergie juvénile et lui donner un tour sophistiqué. Rappelons la campagne publicitaire du printemps 2016: l'avatar virtuel de Lightning (l'un des personnages principaux des jeux Final Fantasy) se balance autour d'un sac, prend des poses et semble aérographe à la perfection. Il convient de noter que le personnage de Lightning dans les jeux est un combattant - le personnage jouable le plus fort, même. Cela se reflète également dans les vêtements: la sensibilité de l'héroïne urbaine se retrouve dans les silhouettes exagérées de FW16, l'accent mis sur les bottes lourdes, les bodys et les bustiers en cuir d'armure. À Kenzo, le fil de la pensée était Sailor Moon, l'icône shōjo des années 90 bien-aimée de la libération et de la force des femmes. Il a pris l'esprit de confiance et de féminité par excellence, et l'a traduit en une abondance de tours de taille empire et de polochons déconstruits avec une poignée d'iris d'archives retravaillés, de pissenlits et de tigres (Kenzo est connu pour son travail d'impression).
Dior
Sur un plan plus technique, nous revenons à la première collection haute couture de Raf Simons pour Dior à l'automne 2012. La collection a vu Simons imposer des imprimés abstraits en rubis sterling sur des manteaux et des robes en utilisant une technique indonésienne vue à travers un œil français. La technique originale ikat est une forme ancienne d'impression de chaîne. L'impression en chaîne implique la teinture du tissu sur le fil avant qu'il ne soit tissé, contrairement aux méthodes traditionnelles dans lesquelles une impression est estampée sur une cour finie de tissu. L'impression qui en résulte est méfiante et loin d'être nette, et - pour citer M. Simons - "a la qualité d'un coup de pinceau". Au 18ème siècle, c'est la même qualité qui a conduit à la création française de Chiné à la Branche, une variation sur la ikat technique d'impression qui a produit de petits imprimés floraux à l'aquarelle sur des tissus en taffetas de soie qui ont trouvé la faveur et la mode sur le dos de Marie Antoinette et de ses contemporains.
Aujourd'hui, ce que l'Asie représente pour le luxe et la haute couture est un terrain fertile pour la croissance et l'exploration. L'économie chinoise massive offre des opportunités de croissance avec une énorme base de consommateurs aspirant au prestige et à l'éclat du luxe. Ce dont les créateurs de mode doivent se souvenir, alors, c'est de rembourser leur public avec la beauté qu'ils ont empruntée.
Cet article a été publié pour la première fois dans L’Officiel Singapour.
